Projektraum Viktor Bucher

 David Sherry, Just Popped Out, 2012 Performance during VIENNAFAIR 2012.

David Sherry, Just Popped Out, 2012 Performance during VIENNAFAIR 2012.

 Ryan Gander "The Last Work", 2007. Video Installation, 37 min. 04

Ryan Gander "The Last Work", 2007. Video Installation, 37 min. 04

 

curated by_Niekolaas Johannes Lekkerkerk

Projektraum Viktor Bucher

 

Artists of the No

In einer Gesellschaft, die von einem Imperativ der Leistung gekennzeichnet ist, einem Zwang zur Produktivität, zur Teilnahme an einer unter Hochdruck stehenden Kultur der Performance, sehen sich Künstlerinnen und Künstler mehr denn je dazu gedrängt, sich den Anforderungen der Professionalität zu fügen und entsprechend zu arbeiten. Das muss nicht so sein. Wir können fragen: Wollen wir wirklich so arbeiten? Wie handhaben Künstlerinnen und Künstler das Ungleichgewicht von Leben und Arbeit? Können wir den Taktiken der Verweigerung, der Passivität, der Prokrastination oder des Müßiggangs kreative Möglichkeiten abgewinnen?

 

"Die Ausstellung Artists of the No setzt sich mit einer Reihe von künstlerischen Positionen und Arbeiten auseinander, die allesamt ein „Nein“ vortragen."
 

Die Ausstellung Artists of the No setzt sich mit einer Reihe von künstlerischen Positionen und Arbeiten auseinander, die allesamt ein „Nein“ vortragen (eine Verweigerung, einen Mangel an Kooperation, eine Verzögerung, ein Zögern und so weiter) – als Reaktion auf eine Forderung, die in Gestalt eines Leistungsgebots daherkommt, das zugleich auferlegt und mitgeteilt wird. Dabei – und an diesem Punkt weicht die Ausstellung von der Behauptung ab, dass es besser sei, nichts zu schaffen, als etwas zu schaffen (der Fundamentalismus des Scheiterns) – erheben sich die Arbeiten über die gesellschaftlich-ökonomische Forderung (und zugleich über das konventionelle Denken und Verhalten), indem sie sämtliche Erwartungen enttäuschen: indem sie nämlich eine Situation und eine Anzahl von Szenarien herstellen, in denen das Potenzial für eine Differenz anhand der Vorstellungskraft und der ästhetischen Erfahrung greifbar wird. Anstatt zu einem unzulänglichen Ersatzgestus zu werden, zu einem künstlerischen Akt, der als Stellvertreter eines anderen fungiert, gelingt der Ausstellung vielleicht ein Moment, ein Augenblick, in dem spezifische Lösungen und konkrete Antworten provozierend latent bleiben, und zwar aus den richtigen Gründen. Wie könnten wir es uns – finanziell wie existenziell – überhaupt leisten, nicht zu arbeiten, nichts zu leisten? Was die Ausstellung vorführt, ist, dass die Möglichkeit, sich „nicht dem Programm anzupassen“, sich nicht der Entwicklung zu unterwerfen, vielmehr den Bann zu brechen, etwas um der Produktion willen produzieren zu müssen, für einen Moment das überwältigende und übersättigte System der infrakünstlerischen Mediationen beiseitezuschieben, um so eine Atempause zu gewinnen, für und mit sich selbst, zu denken – dass diese Möglichkeit verwirklicht werden könnte durch Arbeit als Form des performativen Dissenses. Lassen Sie sich Zeit. 

 
Works by
Nina Beier & Marie Lund
David Raymond Conroy
Dora Garía
Ryan Gander
David Sherry
Pilvi Takala

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Projektraum Viktor Bucher

Praterstrasse 13/1/2 • 1020 Vienna • Austria

www.projektraum.at

 

Galerie Emanuel Layr

 Exhibition View, Galerie Emanuel Layr, curated by_Florence Derieux, 2012, Photo: Galerie Emanuel Layr

Exhibition View, Galerie Emanuel Layr, curated by_Florence Derieux, 2012, Photo: Galerie Emanuel Layr

curated by_Florence Derieux

Galerie Emanuel Layr

 

Works by
Agnes Denes
Lili Reynaud Dewar
Clément Rodzielski
Emily Wardill
 Exhibition View, Galerie Emanuel Layr, curated by_Florence Derieux, 2012, Photo: Galerie Emanuel Layr

Exhibition View, Galerie Emanuel Layr, curated by_Florence Derieux, 2012, Photo: Galerie Emanuel Layr

 Exhibition View, Galerie Emanuel Layr, curated by_Florence Derieux, 2012, Photo: Galerie Emanuel Layr

Exhibition View, Galerie Emanuel Layr, curated by_Florence Derieux, 2012, Photo: Galerie Emanuel Layr

 Exhibition View, Galerie Emanuel Layr, curated by_Florence Derieux, 2012, Photo: Galerie Emanuel Layr

Exhibition View, Galerie Emanuel Layr, curated by_Florence Derieux, 2012, Photo: Galerie Emanuel Layr


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Galerie Emanuel Layr

Seilerstätte 2/26 • 1010 Vienna • Austria

www.emanuellayr.com

 

Galerie nächst St. Stephan

 Exhibition View, Galerie nächst St. Stephan, curated by_Agata Jastrząbek, 2012, Photo: Galerie nächst St. Stephan

Exhibition View, Galerie nächst St. Stephan, curated by_Agata Jastrząbek, 2012, Photo: Galerie nächst St. Stephan

 

curated by_Agata Jastrzabek

Galerie nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder

 

No touching
No

It could be about what we call negative space. Something like silent notes in music, a blank space, a pause. An interval that gives shape to the whole while prompting the simultaneous awareness of form and non-form.
The desire to make can usually be traced back to a real-life encounter with a place, a person, object, story or sensation. Being touched, even if somewhat demented or mentally unbalanced, is often the origin of the necessity to create a new form. Materializing this touch, transforming the negative into positive, blending intimate with common, as a way to apprehend.
 
A Room of Objects
Each work in the show carries its own story, and they meet in the space of this former Viennese apartment.
The LOGIN space of the gallery, a sort of surplus space with a direct relation to the street, is a frame for Theo Cowley’s work. The installation refers to his not so visible book Compo de Rheto, which is placed somewhere in the gallery upstairs. The book is based on a 17th Century original, thought to have been made by one of the first actors to play the role of Harlequin in the tradition of Commedia dell’Arte. Cowley is interested in recalling the figure of Harlequin, who has been shaped by changing projections throughout history. Simon Hempel’s XTCs grew out of the artist’s interest in the mutual relation between urban environment and human body. The work tries to capture the ‘ecstasies’ of things that have the violent potential to animate the inanimate while unsettling the dichotomy between subject and object. The physicality of Ruth Buchanan’s curtain, filtering sunrays and casting shadows, interferes with the usual movement in the space. Metaphorically, it emphasizes the choreography of the room, a parallel to the choreography of one’s own brain. Olga Raciborska’s paintings merge fictional and real events, producing a multi-layered narrative that suggests the possibility of a personal – but still common- mythology. Clash of the Titans results from her fascination with the now obsolete stop motion visual effects employed in the eighties blockbuster Clash of the Titans. Joëlle Tuerlinckx’s Sol Paysage (the exact title still in the process of creation), composed of stones and tape arranged on the gallery floor, explores temporal distances, both real and mental. Each stone has been transplanted from its original context, the situation in which the artist encountered it: a street in Brussels, a project in Cransac (France), a trip to Africa etc. They embody a recollection of different times and places, dreams and real meetings and issue their own secrets. An imaginary journey is traced by the length of tape which tautologically activates the obvious and real fragment of a floor. Sol Paysage layers multiple temporalities, allowing simultaneously for the perception of reality and representation, the natural and the artificial. One ‘score’ of Imi Knoebel’s Anima Mundi invokes the art as life principles of the Bauhaus School and anchors this contemporary presentation of the new in relation to the past. Negative space is instantiated in the strictly prescribed interval between two elements of Anima Mundi 44-2. These elements are a fragment of a much bigger whole, as is the case for all things, according to Plato’s cosmic idea Anima Mundi. This overarching title opens up the strict pieces, in which colour is the only variable, to the infinity of interpretation.

Art or Life
This show presents art objects that have no hidden agenda, no prescriptions for how to improve our lives. It does not act in practical terms and it has no intention of putting things into practice. This gathering of works in one space avoids any literal engagement with the existential dilemmas of Art or Life, nor do any of the pieces on display overtly engage the subject of biopolitics. The works were not selected for their possible relevance to the theme of Art or Life: Aesthetics as Biopolitics, but on the basis of their potential to poeticize the subject at stake.
The concept advanced by Eva Maria Stadler is a starting point and the genesis of this show. The question of Art or Life: Aesthetics as Biopolitics has enabled the show to come about. It activates the potential of these works to communicate their position in relation to the given context. Silence or sublime aggression are given the possibility to be transformed into ‘real’ speech, to enter politics. The works in the gallery space are more staged than lived, but they originate from our world and they do bounce back to it.

Agata Jastrzabek


1) Taken from Ruth Buchanan’s Furniture, Plan, Rival Brain.
"One can only show how one came to hold whatever opinion one does hold. One can only give one’s audience the chance of drawing their own conclusions as they observe the limitations, the prejudices, the idiosyncrasies of the speaker. Fiction here is likely to contain more truth than fact’" 2]
2) Virginia Woolf, A Room of One’s Own (New York: Harcourt Brace, 1989 [1929), p. 2.

 
Works by
Ruth Buchanan
Theo Cowley
Simon Hempel
Imi Kneobel
Olga Raciborska
Joëlle Tuerlinckx
 
 Exhibition View, Galerie nächst St. Stephan, curated by_Agata Jastrząbek, 2012, Photo: Galerie nächst St. Stephan

Exhibition View, Galerie nächst St. Stephan, curated by_Agata Jastrząbek, 2012, Photo: Galerie nächst St. Stephan

 Exhibition View, Galerie nächst St. Stephan, curated by_Agata Jastrząbek, 2012, Photo: Galerie nächst St. Stephan

Exhibition View, Galerie nächst St. Stephan, curated by_Agata Jastrząbek, 2012, Photo: Galerie nächst St. Stephan

 Exhibition View, Galerie nächst St. Stephan, curated by_Agata Jastrząbek, 2012, Photo: Galerie nächst St. Stephan

Exhibition View, Galerie nächst St. Stephan, curated by_Agata Jastrząbek, 2012, Photo: Galerie nächst St. Stephan


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Galerie nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder

Grünangergasse 1 • 1010 Vienna • Austria

www.schwarzwaelder.at

 

Mario Mauroner Contemporary Art

 Exhibition View, Mario Mauroner Contemporary Art, Jan Farbres Welt, curated by_Lóránd Hegyi , 2012, Photo: Mario Mauroner Contemporary Art

Exhibition View, Mario Mauroner Contemporary Art, Jan Farbres Welt, curated by_Lóránd Hegyi , 2012, Photo: Mario Mauroner Contemporary Art

 

curated by_Lóránd Hegyi

Mario Mauroner Contemporary Art

 

Jan Fabres Welt

Das gesamte gigantische, vielschichtige, multidisziplinäre, komplexe Oeuvre des belgischen Künstlers Jan Farbe, mit seiner literarischen und visuell-plastischen Arbeit, mit seinem Theater und Tanz, lässt sich als eine äußerst kohärente, in ihrer grundsätzlichen ästhetischen und philosophischen Orientierung vollkommen homogene, intellektuell und emotionell einheitliche Vision über die tiefliegenden, verborgenen Mechanismen der menschlichen Handlungen und Konstellationen, Motivationen und Wünschen, also über die Energien und Kräfte, die unser Leben, die Reaktionen auf die Ereignisse, die Entscheidungen, die Beziehungen zwischen Menschen, die Ablehnungen, die Ängste, die destruktiven Neigungen und die autodestruktiven Prozesse in den dunklen Bereichen des Unbewussten determinieren.

 

"Jan Fabre's Leben ist seine Arbeit; er existiert als Mensch nur in dieser vitalen, wilden, schöpferischen Aufregung und ständigen Intensität, wobei Leben und Werk voneinander vollkommen untrennbar sind."
 

Obwohl die künstlerische Arbeit von Jan Farbe ständig Überraschungen und unerwartete Erneuerungen uns bietet, obwohl seine radikale Phantasie, sein Neugier, seine zweifelslose Virtuosität und teilweise obsessive Arbeitsenergie eine ständige, fast vegetative, unaufhaltbare Entfaltung der immer neuen Werke auf allen schöpferischen Gebieten aufweist, sein grundsätzliches Engagement für die mutige, unbeschränkt kompromisslose Vergegenständigung der dramatischen, zerstörerischen und gleichzeitig kreativen, fruchtbaren Komplexität des Menschlichen bleibt im Zentrum seiner Arbeit und seines Lebens. Jan Fabre's Leben ist seine Arbeit; er existiert als Mensch nur in dieser vitalen, wilden, schöpferischen Aufregung und ständigen Intensität, wobei Leben und Werk voneinander vollkommen untrennbar sind. In diesem Sinne scheint Jan Farbe einer der letzten "Universalkünstler" zu sein, der die wunderschöne, rationelle Utopie der transparenten Vollkommenheit der Renaissance mit der unaufhaltbaren Vitalität der irrationellen, widersprüchlichen, unkontrollierbaren Prozessen der psychischen Tiefenstrukturen des Menschen, verbindet. Leben und Arbeit, Kunst, Theater, Literatur, politisches Engagement,  individuelle, einsame schöpferische Stunden im Atelier und Direktion der Theatergruppe, dies alles ist der Künstler und der Mensch Jan Farbe. 

 

Works by
Jan Fabre
 
 Exhibition View, Mario Mauroner Contemporary Art, Jan Fabres Welt, curated by_Lóránd Hegyi , 2012, Photo: Mario Mauroner Contemporary Art

Exhibition View, Mario Mauroner Contemporary Art, Jan Fabres Welt, curated by_Lóránd Hegyi , 2012, Photo: Mario Mauroner Contemporary Art

 Exhibition View, Mario Mauroner Contemporary Art, Jan Fabres Welt, curated by_Lóránd Hegyi , 2012, Photo: Mario Mauroner Contemporary Art

Exhibition View, Mario Mauroner Contemporary Art, Jan Fabres Welt, curated by_Lóránd Hegyi , 2012, Photo: Mario Mauroner Contemporary Art

 Exhibition View, Mario Mauroner Contemporary Art, Jan Fabres Welt, curated by_Lóránd Hegyi , 2012, Photo: Mario Mauroner Contemporary Art

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Mario Mauroner Contemporary Art

Weihburggasse 26 • 1010 Vienna • Austria

www.galerie-mam.com

 

Galerie Elisabeth & Klaus Thoman

 Exhibition View, Galerie Elisabeth & Klaus Thoman, curated by_Michael Scott Hall, 2012, Photo: Lena Kienzer

Exhibition View, Galerie Elisabeth & Klaus Thoman, curated by_Michael Scott Hall, 2012, Photo: Lena Kienzer

 Exhibition View, Galerie Elisabeth & Klaus Thoman, curated by_Michael Scott Hall, 2012, Photo: Lena Kienzer

Exhibition View, Galerie Elisabeth & Klaus Thoman, curated by_Michael Scott Hall, 2012, Photo: Lena Kienzer

 

curated by_Michael Scott Hall

Galerie Elisabeth & Klaus Thoman

 

Sequence: Gender: Death

Im Rahmen von curated by_vienna 2012 zeigt die Galerie Elisabeth & Klaus Thoman ihre zweite Einzelausstellung Jürgen Klauke. Die Ausstellung umfasst sowohl historische Werke Klaukes aus den 1970er- und 1980er-Jahren als auch die neuen Schlachtfelder – ein Tableau aus 144 Fotografien, die Absenz und Präsenz, Innen und Außen, Schönheit und Hässlichkeit thematisieren. Diese Gegensätze von Leben und Tod sind seit Langem ein konzeptueller Kontrapunkt in Klaukes Werk.

Die Arbeit des in Köln lebenden Künstlers Jürgen Klauke spielt seit den frühen 1970er-Jahren eine zentrale Rolle in der Entwicklung und der Geschichte von Performance und Körperkunst, weil er durch seine performativen Akte vor der Kamera die Geschlechterrollen seit dieser Zeit unterminiert. So sprengte Klauke den Begriff des Selbstporträts, indem er „soziale Bilder“ schuf, die Gedanken an den anderen und an den Blick, der diesen erfasst, einbezogen. Die damit einhergehenden gesellschaftlichen und psychologischen Entstellungen werden dabei bis ins Grotesk-Fratzenhafte kenntlich gemacht.

 

Works by
Jürgen Klauke
 
 
 Exhibition View, Galerie Elisabeth & Klaus Thoman, curated by_Michael Scott Hall, 2012, Photo: Lena Kienzer

Exhibition View, Galerie Elisabeth & Klaus Thoman, curated by_Michael Scott Hall, 2012, Photo: Lena Kienzer

 Exhibition View, Galerie Elisabeth & Klaus Thoman, curated by_Michael Scott Hall, 2012, Photo: Lena Kienzer

Exhibition View, Galerie Elisabeth & Klaus Thoman, curated by_Michael Scott Hall, 2012, Photo: Lena Kienzer

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Exhibition View, Galerie Elisabeth & Klaus Thoman, curated by_Michael Scott Hall, 2012, Photo: Lena Kienzer

 Exhibition View, Galerie Elisabeth & Klaus Thoman, curated by_Michael Scott Hall, 2012, Photo: Lena Kienzer

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 Exhibition View, Galerie Elisabeth & Klaus Thoman, curated by_Michael Scott Hall, 2012, Photo: Lena Kienzer

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Galerie Elisabeth & Klaus Thoman

Seilerstätte 7 • 1010 Vienna • Austria

www.galeriethoman.com

 

Galerie Krinzinger

 Exhibition View, Galerie Krinzinger, the pieces earth took away, curated by_Katya García-Antón, 2012, Photo: Galerie Krinzinger

Exhibition View, Galerie Krinzinger, the pieces earth took away, curated by_Katya García-Antón, 2012, Photo: Galerie Krinzinger

 

curated by_Katya García-Antón

Galerie Krinzinger

 

the pieces earth took away

Sind wir sexuell so befreit wie wir wünschen? In Ulrike Lienbachers Ausstellung Interieurs, Modelle bei Krinzinger Schottenfeldgasse ist Sex – neben Sport – ein zentrales Thema. Der Körper als Folie, auf dem sich gesellschaftliche Phänomene machtvoll abbilden, ist eine der Grundannahmen für Lienbachers Werk, das sich aus Zeichnungen, Objekten, installativen Arrangements, Fotografie und Videos aufbaut. Die Ausstellung findet im Rahmen der Reihe curated by_Vienna 2012 statt und wird von Katya García-Antón kuratiert.

Komponenten wie Körperdisziplin, Körperbeherrschung, Leistungsdruck und Konkurrenz, die insbesondere für den Sportbereich geltend gemacht werden können und das Wirtschaftsleben prägen, sieht Lienbacher auch auf die Sexualität übertragbar: „Sexualität ist nicht nur der Bereich der Freiheit und der Entgrenzung, sondern auch eine Bühne für Rollenspiele, deren Dramaturgie wir selten alleine schreiben.“ Darauf spielt auch die Arbeit Vorlagen (2012) an. In einem Block von neun Zeichnungen führt Ulrike Lienbacher modellhaft verschiedene Stellungen beim Geschlechtsakt vor. Durch die kompakte Anordnung der einzelnen Blätter erhalten die Darstellungen etwas Serielles und wirken wie Übungen. Die Fotoarbeit Interieurs (2012) bildet repräsentative Innenräume bürgerlicher Wohnungen ab. Zwischen gediegenem Mobiliar hängen, gerahmt wie Kunstwerke, sexuell explizite Fotografien. „Diese Bilder sind so allgegenwärtig wie nie zuvor in der Geschichte, jeder hat sie im Kopf, und trotzdem scheint das Sexuelle unkonkreter und tabuisierter zu sein denn je. Mich hat interessiert, das Heimliche und Phantasierte wie etwas Selbstverständliches ganz offen zu zeigen.“ In der Foto-Serie Nippes (2012) geht es um die wechselnden, austauschbaren Oberflächen, um den Objektstatus des Körpers, der dem begehrlichen Blick ausgeliefert ist. Statt des menschlichen Körpers sind es nun raffiniert beleuchtete Gebilde aus Glas, die durch ihre Formen verführerisch und sexuell aufgeladen erscheinen.

Ebenfalls eigens für diese Ausstellung hat Lienbacher neue Skulpturen geschaffen, eine Reihe von ornamental gedrechselten Säulen aus Holz. Als dünne Körper in die Ausstellungsräume plaziert sind sie gleichermaßen ein Architektur- wie ein Möbelzitat. Horizontal und vertikal installiert bilden sie eine Referenz an Sportgeräte oder erscheinen wie seltsame Gogotanzstangen. In der Videoarbeit Lauf (2010) sehen wir ein Zwillingspaar, das auf einem Sportplatz seine Trainingsrunden läuft. Durch die optische Ähnlichkeit und die vollkommene Harmonie im Laufstil wirkt die eine wie der Schatten der anderen. Nur manchmal treten die Schwestern in einen kurzen Wettstreit, bis sie sich wieder in einen synchronen Lauf einfinden – wie gefangen in einem Wettkampf mit sich selbst.

Die Zeichnungen von präzise auf den klaren Umriss reduzierten, fragmentarisch verknappten und entindividualisierten Körpern sind ein zentraler Teil in Lienbachers Ausstellungskonzeption. In der großformatigen Arbeit geht es Lienbacher um die Idee des sozialen Raumes. Wie in einer spielerischen Anordnung zeigt sie ein Netz von Verbindungen, das aus Einzelindividuen Gesellschaft formt.

Works by
Sudarshan Shetty
 

Ulrike Lienbacher (*1963) lebt und arbeitet in Wien und Salzburg. In ihren Installationen, Fotografien,Videos und Zeichnungen behandelt sie zumeist Themen wie gesellschaftliche Disziplinierung und Kontrolle des (weiblichen) Körpers im Verhältnis zu dessen Selbstbestimmung. 

 Exhibition View, Galerie Krinzinger, the pieces earth took away, curated by_Katya García-Antón, 2012, Photo: Galerie Krinzinger

Exhibition View, Galerie Krinzinger, the pieces earth took away, curated by_Katya García-Antón, 2012, Photo: Galerie Krinzinger

 Exhibition View, Galerie Krinzinger, the pieces earth took away, curated by_Katya García-Antón, 2012, Photo: Galerie Krinzinger

Exhibition View, Galerie Krinzinger, the pieces earth took away, curated by_Katya García-Antón, 2012, Photo: Galerie Krinzinger

 Exhibition View, Galerie Krinzinger, the pieces earth took away, curated by_Katya García-Antón, 2012, Photo: Galerie Krinzinger

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Galerie Krinzinger

Seilerstätte 16 • 1010 Vienna • Austria

www.galerie-krinzinger.at

 

Lukas Feichtner Galerie

 Exhibition View, Lukas Feichtner Galerie, Lukas Feichtner, curated by_Martha Kirszenbaum and David Harper, 2012, Photo: Lukas Feichtner Galerie

Exhibition View, Lukas Feichtner Galerie, Lukas Feichtner, curated by_Martha Kirszenbaum and David Harper, 2012, Photo: Lukas Feichtner Galerie

 Exhibition View, Lukas Feichtner Galerie, Lukas Feichtner, curated by_Martha Kirszenbaum and David Harper, 2012, Photo: Lukas Feichtner Galerie

Exhibition View, Lukas Feichtner Galerie, Lukas Feichtner, curated by_Martha Kirszenbaum and David Harper, 2012, Photo: Lukas Feichtner Galerie

 

curated by_Martha Kirszenbaum and David Harper

Lukas Feichtner Galerie

 

Der versteinerte Fluss

Der versteinerte Fluss soll den Widerspruch zwischen den Relikten historischer Wirklichkeiten und den mit ihnen zusammenhängenden Erinnerungen zum Ausdruck bringen. Wie verändern Künstlerinnen und Künstler die Vorstellung von Monumenten durch deren Verkleinerung auf ein menschliches Maß, neue Materialien und die Wechselwirkung mit dem sie umgebenden Raum? Unsere pluralistische Welt entledigt sich zusehends der Geschichte. Damit verlieren auch Monumente als “lieux de mémoire” und Verkörperungen historischer Episoden an Wirkung. Von der Geschichte getrennt tritt die monumentale Formensprache in den Vordergrund, weil sie die kollektiven Ideen von historischem Ringen und Triumph ausdrückt.

Die sechs eingeladenen Künstlerinnen und Künstler schaffen mit ihrer Kunst soziale und politische détournements der Funktion von Monumenten als lieux de mémoire oder Erinnerungsorten, die der französische Historiker Pierre Nora einmal als „materiell, symbolisch und funktional, eingebunden in das Möbiusband des Kollektivs und des Einzelnen, des Heiligen und des Profanen, des Unveränderlichen und des Veränderlichen“ bezeichnet hat.

Lukas Feichtner

 
Works by
Paolo Chiasera
Aleksandra Domanović
Timothy Hull
Iman Issa
Shahryar Nashat
Ruby Sky Stiler

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Lukas Feichtner Galerie

Seilerstätte 19 • 1010 Vienna • Austria

www.feichtnergallery.com

 

Charim Galerie

 Exhibition View, Galerie Charim, Aesthetics of Risk, curated by_Felicitas Thun-Hohenstein, 2012, Photo: Karl Kühn

Exhibition View, Galerie Charim, Aesthetics of Risk, curated by_Felicitas Thun-Hohenstein, 2012, Photo: Karl Kühn

 

curated by_Felicitas Thun-Hohenstein

Charim Galerie

 

Aesthetics of Risk

Risiko ist stetige Begleiterin der (Kunst)Produktion in aesthetischer, konzeptueller, ökonomischer und sozialer Hinsicht. Die Galerie Charim stellt diese Zuspitzung von "Kunst und Leben" mit einer Ausstellung der Künstlerin Roberta Lima zur Disposition. 

Das transformatorische Potential von Differenz als Gegenstück zu Macht im Blick, oszilliert die performative Installation der Künstlerin zwischen Vergangenem/Gegenwärtigen, Entzogenem/Begehrten, Großem/Kleinen, Alltäglichem/Ungewöhnlichem, Nahem/Fernen, "Kunst und Leben." 

 

Works by
Roberta Lima
 
 Exhibition View, Galerie Charim, Aesthetics of Risk, curated by_Felicitas Thun-Hohenstein, 2012, Photo: Karl Kühn

Exhibition View, Galerie Charim, Aesthetics of Risk, curated by_Felicitas Thun-Hohenstein, 2012, Photo: Karl Kühn

 Exhibition View, Galerie Charim, Aesthetics of Risk, curated by_Felicitas Thun-Hohenstein, 2012, Photo: Karl Kühn

Exhibition View, Galerie Charim, Aesthetics of Risk, curated by_Felicitas Thun-Hohenstein, 2012, Photo: Karl Kühn

 Exhibition View, Galerie Charim, Aesthetics of Risk, curated by_Felicitas Thun-Hohenstein, 2012, Photo: Karl Kühn

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Exhibition View, Galerie Charim, Aesthetics of Risk, curated by_Felicitas Thun-Hohenstein, 2012, Photo: Karl Kühn

 Exhibition View, Galerie Charim, Aesthetics of Risk, curated by_Felicitas Thun-Hohenstein, 2012, Photo: Karl Kühn

Exhibition View, Galerie Charim, Aesthetics of Risk, curated by_Felicitas Thun-Hohenstein, 2012, Photo: Karl Kühn

 Exhibition View, Galerie Charim, Aesthetics of Risk, curated by_Felicitas Thun-Hohenstein, 2012, Photo: Karl Kühn

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Charim Galerie

Dorotheergasse 12/1 • 1010 Vienna • Austria

www.charimgalerie.at

 

Gabriele Senn Galerie

 Exhibition View, Gabriele Senn Galerie, Prinzip Baustelle, curated by_Margrit Brehm, 2012, Photo: Gabriele Senn Galerie

Exhibition View, Gabriele Senn Galerie, Prinzip Baustelle, curated by_Margrit Brehm, 2012, Photo: Gabriele Senn Galerie

 

curated by_Margrit Brehm

Gabriele Senn Galerie

 

Prinzip Baustelle

Die Baustelle markiert einen abgegrenzten Ort der aktiven Veränderung. Die konstitutiv offene Situation – was fertig ist, ist keine Baustelle mehr –, der damit verbundene Ausnahmezustand und die dadurch ausgelösten Irritationen, lassen die Baustelle als tragfähige Metapher erscheinen, um einen Aspekt im Bezugssystem Kunst/Leben/Arbeit zu beleuchten. Allgegenwärtig – als Stolperfalle vor dem Haus ebenso wie als Beschreibung eines gesellschaftlichen oder persönlichen Zustands – erscheint die Baustelle geradezu als Ausdruck des Zeitgeistes. Im übertragenen Sinn steht „Baustelle“ heute gleichermaßen für einen konstatierten „Veränderungsbedarf“ und grundlegende Zweifel an einem möglichen Ende des Ausnahmezustands.

Diese gewandelte Betrachtungsweise stellt nicht nur für eine effektivitätsbesessene Gesellschaft, die Baustellen ausschließlich als temporäre Hindernisse auf dem Weg zu einer „Verbesserung“ akzeptiert, eine Bedrohung dar, sondern lenkt die Aufmerksamkeit auf die Tatsache, dass die Künstler seit den 1960er-Jahren genau aus diesen Gründen die Baustelle als Abbild der eigenen Lebenssituation erkannt, als Modell für eine auf Veränderung der herrschenden Zustände zielende Kunst genutzt und als Materialdepot geplündert haben.

 

"Im übertragenen Sinn steht „Baustelle“ heute gleichermaßen für einen konstatierten „Veränderungsbedarf“ und grundlegende Zweifel an einem möglichen Ende des Ausnahmezustands."
 

Die Ausstellung in der Gabriele Senn Galerie zeigt Werke von Georg Herold und Bob and Roberta Smith, denen sperrige Konstruktionen aus „armen“ – gerne der Baustelle oder dem Sperrmüll zugeordneten – Materialien als Schrift- und Bedeutungsträger dienen. Kompromisslose Geistesgegenwart und anarchischer Humor kennzeichnen diese Werke. Als irritierende Wanderbaustellen sind sie durchaus geeignet, den einen oder die andere beim Wettlauf auf der Siegerstraße aus dem Gleichschritt zu bringen … Men at work!

Margrit Brehm

 
Works by
Georg Herold
Bob and Roberta Smith
 Exhibition View, Gabriele Senn Galerie, Prinzip Baustelle, curated by_Margrit Brehm, 2012, Photo: Gabriele Senn Galerie

Exhibition View, Gabriele Senn Galerie, Prinzip Baustelle, curated by_Margrit Brehm, 2012, Photo: Gabriele Senn Galerie

 Exhibition View, Gabriele Senn Galerie, Prinzip Baustelle, curated by_Margrit Brehm, 2012, Photo: Gabriele Senn Galerie

Exhibition View, Gabriele Senn Galerie, Prinzip Baustelle, curated by_Margrit Brehm, 2012, Photo: Gabriele Senn Galerie

 Exhibition View, Gabriele Senn Galerie, Prinzip Baustelle, curated by_Margrit Brehm, 2012, Photo: Gabriele Senn Galerie

Exhibition View, Gabriele Senn Galerie, Prinzip Baustelle, curated by_Margrit Brehm, 2012, Photo: Gabriele Senn Galerie


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Gabriele Senn Galerie

Schleifmühlgasse 1A • 1040 Vienna • Austria

www.galeriesenn.at

 

Christine König Galerie

 Exhibition View, Christine König Galerie, Thomas Kilpper | Jimmie Durham, curated by_Marius Babias, 2012, Photo: Christine König Galerie

Exhibition View, Christine König Galerie, Thomas Kilpper | Jimmie Durham, curated by_Marius Babias, 2012, Photo: Christine König Galerie

 

curated by_Marius Babias

Christine König Galerie

 

Thomas Kilpper | Jimmie Durham

Zuletzt machte Thomas Kilpper mit seinem Projekt State of Control (2009) im ehemaligen Ministerium für Staatssicherheit der DDR in Berlin und seinem Pavilion for Revolutionary Free Speech (2011) im dänischen Pavillon bei der 54. Biennale von Venedig von sich reden. Besucherinnen und Besucher konnten über großformatige, direkt in den Boden geschnittene Porträts von Persönlichkeiten aus Geschichte und Gegenwart schreiten - etwa Silvio Berlusconi, Ulrike Meinhof, Rosa Luxemburg oder Karl Marx. Kilpper nimmt Bodendrucke von seinen geschnitzten Motiven und hängt sie in den Ausstellungsraum. Er setzt sich mit Geschichte und den ideologischen Konzepten von Überwachung und Repression auseinander. Kilpper erzählt aus radikal subjektiver Sicht gewissermaßen die Vorgeschichte der „Geschichte“, bricht Vorstellungen und Bilder auf, die sich in uns zu historischen Wahrheiten verfestigt haben. Der Künstler montiert die Figuren aus der Geschichte zu einer Historienmalerei mit den Mitteln des Linol- und Holzdrucks - fragmentarisch, scharfkantig und beziehungsreich. „Geschichte“ ist Montage. 

Jimmie Durhams Skulpturen, Objekte, Bilder und Gedichte thematisieren Welterfahrung aus der Perspektive des Minoritären und des Außenseiters. Durham, Angehöriger des Cherokee-Stammes in den USA, hat für die Rechte der amerikanischen Ureinwohnerinnen und Ureinwohner gekämpft und war Vertreter der indigenen Völker bei den Vereinten Nationen. Er lebt seit 25 Jahren als Künstler und Dichter in Europa und vertritt unbeirrbar eine humanistische Haltung, fern von Ideologie und Pathos. Seine künstlerische und poetologische Stärke liegt darin, den Dingen und der Sprache durch Umdeutung neue Wendungen zu geben und unsere Erfahrungswelt zu verändern. 

Marius Babias

 
Works by
Thomas Kilpper
Jimmie Durham
 Exhibition View, Christine König Galerie, Thomas Kilpper | Jimmie Durham, curated by_Marius Babias, 2012, Photo: Christine König Galerie

Exhibition View, Christine König Galerie, Thomas Kilpper | Jimmie Durham, curated by_Marius Babias, 2012, Photo: Christine König Galerie

 Exhibition View, Christine König Galerie, Thomas Kilpper | Jimmie Durham, curated by_Marius Babias, 2012, Photo: Christine König Galerie

Exhibition View, Christine König Galerie, Thomas Kilpper | Jimmie Durham, curated by_Marius Babias, 2012, Photo: Christine König Galerie

 Exhibition View, Christine König Galerie, Thomas Kilpper | Jimmie Durham, curated by_Marius Babias, 2012, Photo: Christine König Galerie

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Christine König Galerie

Schleifmühlgasse 1A • 1040 Vienna • Austria

www.christineköniggalerie.com

 

Galerie Andreas Huber

 Exhibition View, Galerie Andreas Huber, Detective, curated by_Adam Carr, 2012, Photo: Georg Petermichl

Exhibition View, Galerie Andreas Huber, Detective, curated by_Adam Carr, 2012, Photo: Georg Petermichl

 

curated by_Adam Carr

Galerie Andreas Huber

 

Detective

How do we look at and interpret works of art? To what extent does the role of mediation within an exhibition govern, frame and impact upon our viewing experience? What would happen if information surrounding and part of an exhibition, particularly texts interpreting the artwork on display, were written by an individual whose profession is not synonymous with the visual arts? And what if the artworks on display would find in this individual and their interpretation a necessary guide for the viewer – a lens through which the artworks and the exhibition itself might need to be seen and understood? These are some of central aspects and features of the exhibition Detective and questions that it puts to test, presenting artworks that alight from and connect with such aspects, together with the installation of the exhibition and the mediation material it involves.

On the installation of the exhibition, a detective has been invited to visit the gallery and investigate the artworks on view. He has written a number of reports on each artwork that describe how they been achieved and by whom. To support each of the detective’s statements and their overall task, evidence surrounding the artists – detailing their practice, previous works and biography – was supplied to him prior to his visit. The detective’s resulting reports are placed inside the gallery space for public view and are be accompanied by documentation of his visit.

While the detectives’ reports act to assist the viewer, the exhibition also insists that viewers scrutinize the works on view carefully for themselves – to look and to look again, in order to draw individual conclusions and to ‘solve’ what exactly has taken place in the exhibition and by whom. The artworks, by a range of international artists, include both new commissions and existing work, all of which deliberately obscure simplistic readings and rather elicit the viewer to imagine, detect and almost solve how they may have been accomplished.

Detective gives an opportunity for artwork to exist and be presented outside of the frameworks in which they are most commonly exhibited, mediated and studied. Colliding the boundaries between art, its documentation and interpretation, it also emphasizes new possibilities for the viewer, offering a unique exhibition experience. The exhibition and the works its involve look at how somebody else could write and help form a viewer’s experience of an exhibition; how a viewer could see artworks and be guided through an exhibition through somebody else’s eyes.

The exhibition draws an analogy between how a curator might look and analyze an object of art differently from other people and how a detective might do the same with an object or situation, and fuses these two separate ways of looking together. 

Adam Carr

 
Works by
Meriç Algün Ringborg
Christian Burnoski
Sean Edwards
Ryan Gander
Leopold Kessler
Jonathan Monk
Alek O.
Kirsten Pieroth
Wilfredo Prieto
 Exhibition View, Galerie Andreas Huber, Detective, curated by_Adam Carr, 2012, Photo: Georg Petermichl

Exhibition View, Galerie Andreas Huber, Detective, curated by_Adam Carr, 2012, Photo: Georg Petermichl

 Exhibition View, Galerie Andreas Huber, Detective, curated by_Adam Carr, 2012, Photo: Georg Petermichl

Exhibition View, Galerie Andreas Huber, Detective, curated by_Adam Carr, 2012, Photo: Georg Petermichl

 Exhibition View, Galerie Andreas Huber, Detective, curated by_Adam Carr, 2012, Photo: Georg Petermichl

Exhibition View, Galerie Andreas Huber, Detective, curated by_Adam Carr, 2012, Photo: Georg Petermichl

 Exhibition View, Galerie Andreas Huber, Detective, curated by_Adam Carr, 2012, Photo: Georg Petermichl

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Galerie Andreas Huber

Karl-Schweighofer-Gasse 8/1 • 1070 Vienna • Austria

www.galerieandreashuber.at

 

Kerstin Engholm Galerie

 Exhibition View, Kerstin Engholm Galerie, Cosmology, Aesthetics, and Anthropy, curated by_John Christoph Doswald, 2012, Photo: Kerstin Engholm Galerie

Exhibition View, Kerstin Engholm Galerie, Cosmology, Aesthetics, and Anthropy, curated by_John Christoph Doswald, 2012, Photo: Kerstin Engholm Galerie

 

curated by_Christoph Doswald

Kerstin Engholm Galerie

 

Cosmology, Aesthetics, and Anthropy

The aestheticication of the everyday world through advertising and mass media, seen most recently in the digital photo industry, has successively increased since the invention of printing technology, having developed a virtually intolerable dominance in the present era. As a result, the human subject is immersed in a state of perpetual comparison of imagery – gauging the distance between mediatic standards and the actual picture of reality.

Fathoming these discrepancies is a focal aim of the artwork of Tanja Roscic, Tatjana Trouvé, Daniele Buetti, Hanspeter Hofmann und Björn Dahlem, who have developed distinct cosmological systems, indeed, veritable counter-realities. Discourse on surfaces and aesthetics have long pushed forth into dimensions of everyday life and science, into dimensions that fundamentally challenge the integrity of the individual. Genetic manipulation, surgical interventions, Pharmaceutical research, or new forms of nourishment have been conceived with the objective of helping people attain heightened beauty or enhanced performance. In view of these developments, the exhibition negotiates issues of deficiency and abundance in the framework of aesthetic and normative social concepts.

Christoph Doswald

 

Works by
Daniele Buetti
Björn Dahlem
Hanspeter Hofmann
Tanja Roscic
Tatjana Trouvé 
 
 Exhibition View, Kerstin Engholm Galerie, Cosmology, Aesthetics, and Anthropy, curated by_John Christoph Doswald, 2012, Photo: Kerstin Engholm Galerie

Exhibition View, Kerstin Engholm Galerie, Cosmology, Aesthetics, and Anthropy, curated by_John Christoph Doswald, 2012, Photo: Kerstin Engholm Galerie

 Exhibition View, Kerstin Engholm Galerie, Cosmology, Aesthetics, and Anthropy, curated by_John Christoph Doswald, 2012, Photo: Kerstin Engholm Galerie

Exhibition View, Kerstin Engholm Galerie, Cosmology, Aesthetics, and Anthropy, curated by_John Christoph Doswald, 2012, Photo: Kerstin Engholm Galerie

 Exhibition View, Kerstin Engholm Galerie, Cosmology, Aesthetics, and Anthropy, curated by_John Christoph Doswald, 2012, Photo: Kerstin Engholm Galerie

Exhibition View, Kerstin Engholm Galerie, Cosmology, Aesthetics, and Anthropy, curated by_John Christoph Doswald, 2012, Photo: Kerstin Engholm Galerie


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Kerstin Engholm Galerie

Schleifmühlgasse 3 • 1040 Vienna • Austria

www.kerstinengholm.com

 

Georg Kargl Fine Arts

 Exhibition View, Georg Kargl Fine Arts, Von Zeichen und Körpern, curated by_Thomas Locher, 2012, Photo: Georg Kargl Fine Arts

Exhibition View, Georg Kargl Fine Arts, Von Zeichen und Körpern, curated by_Thomas Locher, 2012, Photo: Georg Kargl Fine Arts

 

curated by_Thomas Locher

Georg Kargl Fine Arts

 


Von Zeichen und Körpern


Die gegenseitige Durchdringung von Kunst und Leben als Wunschvorstellung der Avantgarden, ausgerichtet auf ein „anderes Leben“, das ein besseres sein sollte, scheint sich vor allem in ökonomischer und sozialer Hinsicht vollzogen zu haben. Vormals emanzipatorische Begriffe haben ein fröhliches Nachleben in der Welt des Managements, der Arbeitswelt, in versicherungstechnischen Direktiven oder geschichtspolitischen Fiktionen. In dieser Ausstellung soll es um künstlerische Projekte gehen, die sich analytisch mit Visualisierungsstrategien befassen, gegen, entlang oder mit diesen Entwicklungen. 

 
"Nicht der gesellschaftliche Zusammenhalt ist es, der Staatlichkeit ausmacht, sondern seine Aufhebung, die staatliche Regierungsmacht untersagt."
 

Techniken der Macht, die die Optimierung und Regulierung von Lebensbedingungen in Massengesellschaften anstreben, berühren die Grenze der Darstellbarkeit. Ursächliche Verhältnisse, die auf partikulare Interessen verweisen, also individuelle Schicksale beschreiben, tauchen nicht mehr in informationsgrafischen Verlautbarungen auf; Subjekte erscheinen als Figuren statistischer Reduktion, als sich wiederholende Repräsentantinnen und Repräsentanten oder als diagrammatisch gesichtslose Statthalterinnen und Statthalter… sie werden zu abstrakten Zeichen. 

Künstlerische Projekte, die sich dieser Darstellungsformen bedienen oder sich auf sie beziehen, wissen um diesen Widerspruch zwischen dem Universalen und dem Singulären. Singuläres ist nur dann abbildbar, wenn es numerisch eine Gemeinschaft bildet, die eine Identität oder eine klare Zugehörigkeit verkörpert. Menschen bilden die Bevölkerung; können aber nur dann dargestellt werden, wenn sie über eine begriffliche und visuelle Identität verfügen und sie mit anderen teilen. Es geht um Zugehörigkeit zu einer Gesellschaft; staatliche Regulierungsmacht kann nicht dulden, dass es Subjekte jenseits dieses Repräsentationsverhältnisses gibt. Nicht der gesellschaftliche Zusammenhalt ist es, der Staatlichkeit ausmacht, sondern seine Aufhebung, die staatliche Regierungsmacht untersagt.

Thomas Locher

Works by
Yael Bartana
Gianfranco Baruchello
Clegg & Guttmann
Peter Fend
Matt Mullican
Henrik Olesen
Anna Oppermann
Katya Sander
Dierk Schmidt
Andreas Siekmann
Costa Vece
Stephen Willats
 

Thomas Locher  (* 1956)  ist ein deutscher Konzeptkünstler. Er ist designierter Rektor der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig.

 Exhibition View, Georg Kargl Fine Arts, Von Zeichen und Körpern, curated by_Thomas Locher, 2012, Photo: Georg Kargl Fine Arts

Exhibition View, Georg Kargl Fine Arts, Von Zeichen und Körpern, curated by_Thomas Locher, 2012, Photo: Georg Kargl Fine Arts

 Exhibition View, Georg Kargl Fine Arts, Von Zeichen und Körpern, curated by_Thomas Locher, 2012, Photo: Georg Kargl Fine Arts

Exhibition View, Georg Kargl Fine Arts, Von Zeichen und Körpern, curated by_Thomas Locher, 2012, Photo: Georg Kargl Fine Arts

 Exhibition View, Georg Kargl Fine Arts, Von Zeichen und Körpern, curated by_Thomas Locher, 2012, Photo: Georg Kargl Fine Arts

Exhibition View, Georg Kargl Fine Arts, Von Zeichen und Körpern, curated by_Thomas Locher, 2012, Photo: Georg Kargl Fine Arts

 Exhibition View, Georg Kargl Fine Arts, Von Zeichen und Körpern, curated by_Thomas Locher, 2012, Photo: Georg Kargl Fine Arts

Exhibition View, Georg Kargl Fine Arts, Von Zeichen und Körpern, curated by_Thomas Locher, 2012, Photo: Georg Kargl Fine Arts

 Exhibition View, Georg Kargl Fine Arts, Von Zeichen und Körpern, curated by_Thomas Locher, 2012, Photo: Georg Kargl Fine Arts

Exhibition View, Georg Kargl Fine Arts, Von Zeichen und Körpern, curated by_Thomas Locher, 2012, Photo: Georg Kargl Fine Arts

 Exhibition View, Georg Kargl Fine Arts, Von Zeichen und Körpern, curated by_Thomas Locher, 2012, Photo: Georg Kargl Fine Arts

Exhibition View, Georg Kargl Fine Arts, Von Zeichen und Körpern, curated by_Thomas Locher, 2012, Photo: Georg Kargl Fine Arts

 Exhibition View, Georg Kargl Fine Arts, Von Zeichen und Körpern, curated by_Thomas Locher, 2012, Photo: Georg Kargl Fine Arts

Exhibition View, Georg Kargl Fine Arts, Von Zeichen und Körpern, curated by_Thomas Locher, 2012, Photo: Georg Kargl Fine Arts


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Georg Kargl Fine Arts

Schleifmühlgasse 5 • 1040 Vienna • Austria

www.georgkargl.com

 

Galerie Steinek

 Exhibition View, Galerie Steinek, Mel Chin - It's not what you think, curated by_Julien Robson, 2012, Photo: Galerie Steinek

Exhibition View, Galerie Steinek, Mel Chin - It's not what you think, curated by_Julien Robson, 2012, Photo: Galerie Steinek

 Exhibition View, Galerie Steinek, Mel Chin - It's not what you think, curated by_Julien Robson, 2012, Photo: Galerie Steinek

Exhibition View, Galerie Steinek, Mel Chin - It's not what you think, curated by_Julien Robson, 2012, Photo: Galerie Steinek

 

curated by_Julien Robson

Galerie Steinek

 

Mel Chin - It's not what you think

Am bekanntesten ist Mel Chin für inter- disziplinäre Gemeinschaftsprojekte, die gesellschaftlich, politisch und ökologisch aufgeladene Fragen künstlerisch untersuchen. Seine Kunst findet dabei nicht nur in der freien Landschaft oder im öffentlichen Raum statt, sondern auch in Galerien und Museen. Durch die Verbindung von Kunst und Leben versucht Chin, den gesellschaftlichen Giftmüll und die Umwelttoxizität um uns herum aufzudecken und so einen Beitrag zu deren Behebung zu leisten. Chin begreift seine Kunst als Katalysator für Aktionen und mehr soziales Verantwortungsbewusstsein. Damit erfasst und nutzt Chin die komplizierten Verflechtungen des Ästhetischen mit politischen, ökonomischen und gesellschaftlichen Belangen. Seine Werke sind ebenso analytisch wie poetisch. Sie schöpfen die Möglichkeiten der Kunst aus, das Bewusstsein der Menschen durch die Sichtbarmachung andernfalls unsichtbarer Strukturen und Zusammenhänge zu verändern.

Mit seiner Ausstellung untersucht Chin die derzeitigen Zerfallserscheinungen des amerikanischen Alltags, unter dessen unumschränkten Mythen von Freiheit, Patriotismus und sozialem Zusammenhalt Spannungen und Konflikte lauern. Seine Objekte, Videos und Zeichnungen behandeln Wunschproduktion und Wunschenttäuschung in der Konsumgesellschaft, das Drama geheimer Machtmanipulation, den Verlust geschichtlichen Bewusstseins, die unsichtbaren Giftrückstände der Industrialisierung, die Vereinzelung der Menschen in der Gesellschaft und die institutionellen Mächte, die unser Leben bestimmen.

Julien Robson

 
Works by
Mel Chin
 

Julien Robson (*1955 in Schottland, lebt und arbeitet in Philadelphia, USA) ist als Kurator für zeitgenössische Kunst an der Pennsylvania Academy of the Fine Arts (PAFA) tätig.


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Galerie Steinek

Eschenbachgasse 4 • 1010 Vienna • Austria

www.galerie.steinek.at

 

Galerie Meyer Kainer

 Exhibition View, Galerie Meyer Kainer, Anita Leisz | Nora Schultz, curated by_Will Benedict, 2012, Photo: Galerie Meyer Kainer

Exhibition View, Galerie Meyer Kainer, Anita Leisz | Nora Schultz, curated by_Will Benedict, 2012, Photo: Galerie Meyer Kainer

 Exhibition View, Galerie Meyer Kainer, Anita Leisz | Nora Schultz, curated by_Will Benedict, 2012, Photo: Galerie Meyer Kainer

Exhibition View, Galerie Meyer Kainer, Anita Leisz | Nora Schultz, curated by_Will Benedict, 2012, Photo: Galerie Meyer Kainer

 

curated by_Will Benedict

Galerie Meyer Kainer

 

Anita Leisz | Nora Schultz

Anita Leisz and Nora Schultz share an interest in how procedures of construction relate to the human body, inform daily activity, and manifest realities, but their shared concern for the sculptural issues of balance, volume, mass, interiority and exteriority diverge at the crucial point of determining what it is that makes a finished object.

Schultz allows the process to speak for itself, often leaving the artworks in a reconstructable heap. Her works are rough-hewn and provisional with the material in service to the idea and with as little thought to precise measurement as possible. In contrast Leisz labors over minute details. Her constructions evaluate proportions as varied as those historically linked to ancient Greece or as banal as a mattress.

For the exhibition at Meyer Kainer, Schultz will present new works where "Bits of probability turn into reality – Hello", "A vision of nature is implanted in my brain", and "Birds sing in the reality rain". While Leisz is showing works where torsos expand and contract and the material closest to our bodies, sheets and shirts, must be discussed.

 

Works by
Anita Leisz
Nora Schultz
 Exhibition View, Galerie Meyer Kainer, Anita Leisz | Nora Schultz, curated by_Will Benedict, 2012, Photo: Galerie Meyer Kainer

Exhibition View, Galerie Meyer Kainer, Anita Leisz | Nora Schultz, curated by_Will Benedict, 2012, Photo: Galerie Meyer Kainer

 Exhibition View, Galerie Meyer Kainer, Anita Leisz | Nora Schultz, curated by_Will Benedict, 2012, Photo: Galerie Meyer Kainer

Exhibition View, Galerie Meyer Kainer, Anita Leisz | Nora Schultz, curated by_Will Benedict, 2012, Photo: Galerie Meyer Kainer

 Exhibition View, Galerie Meyer Kainer, Anita Leisz | Nora Schultz, curated by_Will Benedict, 2012, Photo: Galerie Meyer Kainer

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Galerie Meyer Kainer

Eschenbachgasse 9 • 1010 Vienna • Austria

www.meyerkainer.com

 

Galerie Martin Janda

 Exhibition View, Galerie Martin Janda, Lara Favaretto, Ryan Gander, Alina Szapocznikow, curated by_Thomas D. Trummer, 2012, Photo: Galerie Martin Janda

Exhibition View, Galerie Martin Janda, Lara Favaretto, Ryan Gander, Alina Szapocznikow, curated by_Thomas D. Trummer, 2012, Photo: Galerie Martin Janda

 

curated by_Thomas D. Trummer

Galerie Martin Janda

 

Lara Favaretto, Ryan Gander, Alina Szapocznikow

Die Gegenwart ist angespannt. Notmaßnamen werden allerorts getroffen. Doch helfen fiskalische Steuerungen und globale politische Maßnahmen gegen eine tiefer empfundene Verwundbarkeit des Lebens, die Sterblichkeit inbegriffen? Wie steht es um die existenzielle Verfasstheit? In gegenwärtiger „conditio humana“ scheinen Zurechtrückung und Perfektionierungsdrang nicht weniger zu dominieren. In vielen Wissenszweigen und Alltagsfibeln geht es darum, den Menschen über Selbsttransformation mit einem wirksamen Immunstatus auszustatten. Aus Ratgebern erfahren wir, wie wir uns vor unwillkommenen Zudringlichkeiten und selbstverschuldeten Eigengefährdungen bewahren. Die empfohlenen Maßnahmen reichen von physischen Übungsverfahren, sozialen Techniken und medizinisch-physischen Optimierungen bis zu spirituellen Vorkehrungen, – alle dazu erdacht, den Menschen vor sich selbst in Schutz zu nehmen. Der österreichisch-amerikanische Biotechnologe Erwin Chagáff gehörte jener Gruppe von Wissenschaftlern an, die seit den 50er Jahren durch die Dechiffrierung der Erbausstattung des Menschen die Ermöglichungsbedingungen seiner künstlichen Gestaltung vorantrieben. Dennoch äußerte Chagáff selbst tiefe Zweifel an dieser Vorgangsweise. Denn die Ermächtigung des Menschen zeitigt kulturelle und ethische Konsequenzen. Menschen werden zu Designern von anderen Menschen. Eine asymmetrische Beziehung ist die Folge, in der sich ein Exemplar seiner Spezies unter Anwendung technischer Mittel aus dem kulturellen Lernprozess und seiner Wechselwirkung heraustrennt und ihn eigensinnig verfolgt. Es entsteht ein Autor, der sich weder Gott noch Künstler nennt und dennoch eine künstliche Kreation für sich beansprucht.

 

"Alina Szapocznikow, Lara Favaretto und Ryan Gander provozieren eine Kunst der unbequemen Unmittelbarkeit."
 

Alina Szapocznikow (1926-1973), Lara Favaretto (*1973) und Ryan Gander (* 1976) provozieren eine Kunst der unbequemen Unmittelbarkeit. Mentale Rüstungen und Immunsysteme scheinen in ihren Werken heilsam wirkungslos. Es geht um die direkte körperliche Erfahrung und eine greifbare Begegnung. Imaginäre Vorwegnahmen und empfindliche Rücksichten ersetzen die Leistungsanforderungen an den Körper. Empfindliches Befinden, Weltbegegnung und Daseinsschlüssel kommen wieder zum Vorschein.

Thomas D. Trummer

 
Works by
Alina Szapocznikow
Lara Favaretto
Ryan Gander
 

Thomas D. Trummer (*1967) ist Kurator und Kunsthistoriker. Seit dem 01. Mai 2015 ist er Direktor des Kunsthaus Bregenz. 

 Exhibition View, Galerie Martin Janda, Lara Favaretto, Ryan Gander, Alina Szapocznikow, curated by_Thomas D. Trummer, 2012, Photo: Galerie Martin Janda

Exhibition View, Galerie Martin Janda, Lara Favaretto, Ryan Gander, Alina Szapocznikow, curated by_Thomas D. Trummer, 2012, Photo: Galerie Martin Janda

 Exhibition View, Galerie Martin Janda, Lara Favaretto, Ryan Gander, Alina Szapocznikow, curated by_Thomas D. Trummer, 2012, Photo: Galerie Martin Janda

Exhibition View, Galerie Martin Janda, Lara Favaretto, Ryan Gander, Alina Szapocznikow, curated by_Thomas D. Trummer, 2012, Photo: Galerie Martin Janda

 Exhibition View, Galerie Martin Janda, Lara Favaretto, Ryan Gander, Alina Szapocznikow, curated by_Thomas D. Trummer, 2012, Photo: Galerie Martin Janda

Exhibition View, Galerie Martin Janda, Lara Favaretto, Ryan Gander, Alina Szapocznikow, curated by_Thomas D. Trummer, 2012, Photo: Galerie Martin Janda

 Exhibition View, Galerie Martin Janda, Lara Favaretto, Ryan Gander, Alina Szapocznikow, curated by_Thomas D. Trummer, 2012, Photo: Galerie Martin Janda

Exhibition View, Galerie Martin Janda, Lara Favaretto, Ryan Gander, Alina Szapocznikow, curated by_Thomas D. Trummer, 2012, Photo: Galerie Martin Janda


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Galerie Martin Janda

Eschenbachgasse 11 • 1010 Vienna • Austria

www.martinjanda.at

 

Krobath Wien

 Exhibition View, Krobath Wien, The Lovers, curated by_Karel Cisar, 2012, Photo: Lisa Rastl

Exhibition View, Krobath Wien, The Lovers, curated by_Karel Cisar, 2012, Photo: Lisa Rastl

 Exhibition View, Krobath Wien, The Lovers, curated by_Karel Cisar, 2012, Photo: Lisa Rastl

Exhibition View, Krobath Wien, The Lovers, curated by_Karel Cisar, 2012, Photo: Lisa Rastl

 

curated by_Karel Cisar

Krobath Wien

 

Auf den ersten Blick könnte man die Arbeit des jungen tschechischen Künstlers Dominik Lang als Intervention in Ausstellungsräumen und, metaphorisch, in der Zeitdimension der Kunstgeschichte verstehen. Doch das wahre Ziel Langs ist zu untersuchen, wie die Sichtbarkeit von Kunst verteilt ist. Seine Kunstwerke greifen entweder in die Raumarchitektur ein, in die neue Bauteile eingefügt werden, oder sie präsentieren eine strategische Deutung der Kunstgeschichte. So verhält es sich zum Bei- spiel bei jenen Arbeiten, bei denen Lang die Werke anderer Künstlerinnen und Künstler oder deren Rekonstruktionen in die Ausstellung einbezieht. Damit will er indes nicht – wie die Proponentinnen und Proponenten der Institutionskritik – bloß die verdeckten Mechanismen des Kunstbetriebs bloßlegen oder – wie beim so genannten „archival turn“ – eine unabgeschlossene Vergangenheit in die Gegenwart transferieren. Langs Hauptintention ist stattdessen, einen bestimmten Kontext zu schaffen, in dem die Aufmerksamkeit des Publikums angeregt wird, um die räumliche, historische und institutionelle Konditionierung all dessen sichtbar zu machen, was sie faktisch wahrnehmen können.

 

"Das bloße Leben, das hier ausgestellt wird, ist nicht nur jenes der Skulpturen, sondern auch unser eigenes." 
 

Am deutlichsten kommt diese Intention wohl in der Installation The Sleeping City für den tschechisch-slowakischen Pavillon auf der 54. Biennale in Venedig 2011 zum Aus- druck. Dort zeigte Lang eine radikale Interpretation der spätmodernistischen Skulpturen seines Vaters Jiří Lang (1927–1996). Das Ziel war dabei weder die schiere Präsentation der abstrakt angehauchten figurativen Plastiken der kommunistischen 1950er-Jahre, noch die Rekonstruktion des musealen Settings, in dem sie damals ausgestellt wurden. Vielmehr sollte sich das Publikum die Frage stellen, welche Umstände die Sichtbarkeit von Kunst überhaupt gewährleisten. Was sind die Gründe dafür, dass manche Kunst in Vergessenheit gerät? Was wird, weiter gefragt, mit der so aufdringlichen Kunst von heute in 50 Jahren passieren? 

Mit The Sleeping City lenkt Lang mithin – auf Grundlage einer großen Sammlung von Skulpturen seines Vaters – die Aufmerksamkeit auf das Nachleben der Kunst allgemein. In The Lovers, seinem neuesten Projekt, verwendet er mehrere Varianten des Liebespaarsujets, um damit das bloße Leben darzustellen. Während die BetrachterInnen der Beobachtung der nackten Körper und Gesichter der Skulpturen, die sich mit einem Verzicht auf ihre Individualität abgefunden haben und in einer Umarmung oder einem Kuss verschmelzen, überlassen werden, lässt Lang die BetrachterInnen gleichzeitig durch zwei gebogene Paneele beobachten. Diese architektonische Ordnung dient nicht nur als Präsentationsfläche der Skulpturen, sondern organisiert darüber hinaus den Galerieraum. Obwohl die geschwungenen Holzwände einen privaten Raum zur Beobachtung intimer Szenen zu erzeugen scheinen, kann man dennoch jeder Zeit durch einen Neuankömmling überrascht werden. Das bloße Leben, das hier ausgestellt wird, ist nicht nur jenes der Skulpturen, sondern auch unser eigenes. 

Karel Císar

Works by
Dominik Lang
 

Karel Císar currently lectures on the history of modern and contemporary art at the Academy of Arts, Architecture and Design in Prague. He also works at the Institute of Philosophy at the Czech Academy of Sciences. 

 Exhibition View, Krobath Wien, The Lovers, curated by_Karel Císař, 2012, Photo: Lisa Rastl

Exhibition View, Krobath Wien, The Lovers, curated by_Karel Císař, 2012, Photo: Lisa Rastl

 Exhibition View, Krobath Wien, The Lovers, curated by_Karel Císař, 2012, Photo: Lisa Rastl

Exhibition View, Krobath Wien, The Lovers, curated by_Karel Císař, 2012, Photo: Lisa Rastl

 Exhibition View, Krobath Wien, The Lovers, curated by_Karel Císař, 2012, Photo: Lisa Rastl

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Krobath Wien

Eschenbachgasse 9 • 1010 Vienna • Austria

www.galeriekrobath.at

 

Galerie Mezzanin

 Exhibition View, Galerie Mezzanin, Filthy Rat, curated by_José Luis Blondet, 2012, Photo: Galerie Meezzanin

Exhibition View, Galerie Mezzanin, Filthy Rat, curated by_José Luis Blondet, 2012, Photo: Galerie Meezzanin

 Exhibition View, Galerie Mezzanin, Filthy Rat, curated by_José Luis Blondet, 2012, Photo: Galerie Meezzanin

Exhibition View, Galerie Mezzanin, Filthy Rat, curated by_José Luis Blondet, 2012, Photo: Galerie Meezzanin

 

curated by_José Luis Blondet

Galerie Mezzanin

 

Works by
Stephen Prina
 Exhibition View, Galerie Mezzanin, Filthy Rat, curated by_José Luis Blondet, 2012, Photo: Galerie Meezzanin

Exhibition View, Galerie Mezzanin, Filthy Rat, curated by_José Luis Blondet, 2012, Photo: Galerie Meezzanin

 Exhibition View, Galerie Mezzanin, Filthy Rat, curated by_José Luis Blondet, 2012, Photo: Galerie Meezzanin

Exhibition View, Galerie Mezzanin, Filthy Rat, curated by_José Luis Blondet, 2012, Photo: Galerie Meezzanin

 Exhibition View, Galerie Mezzanin, Filthy Rat, curated by_José Luis Blondet, 2012, Photo: Galerie Meezzanin

Exhibition View, Galerie Mezzanin, Filthy Rat, curated by_José Luis Blondet, 2012, Photo: Galerie Meezzanin

 Exhibition View, Galerie Mezzanin, Filthy Rat, curated by_José Luis Blondet, 2012, Photo: Galerie Meezzanin

Exhibition View, Galerie Mezzanin, Filthy Rat, curated by_José Luis Blondet, 2012, Photo: Galerie Meezzanin

 Exhibition View, Galerie Mezzanin, Filthy Rat, curated by_José Luis Blondet, 2012, Photo: Galerie Meezzanin

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Galerie Mezzanin

63, rue des Maraîchers • 1205 Geneva • Switzerland

www.galeriemezzanin.com

 

Galerie Knoll

 Exhibition View, Galerie Knoll, curated by_Simina Neagu, 2012, Photo: Galerie Knoll

Exhibition View, Galerie Knoll, curated by_Simina Neagu, 2012, Photo: Galerie Knoll

 

curated by_Simina Neagu

Galerie Knoll

 

Days of Labour, Nights of Leisure.
Art as the disruption of everyday life

How could we envision a break in the endless succession of work and leisure that constitutes our everyday life? Are we able to identify the ‘lines of flight’ imbedded in the seemingly impenetrable cycle of daily existence? And ultimately, can we truly escape the “atrophy of experience” induced by modernity, as Walter Benjamin suggested?

 
"A re-articulation of the ordinary, not the common equations of “art=life” or “art+life”, but rather an art of life."
 

Perhaps contemporary artistic practice could provide an antidote to our impoverished experience of everydayness, by disrupting the flow of work-leisure and the established regimes of visibility. Simultaneously a space of platitude and profundity, authenticity and inauthenticity, everyday life incorporates potentiality, spontaneity and play, which art can help flesh out from this double dimension of the ordinary. With Michel de Certeau, we can identify the crucial importance of ludic and subversive modes of appropriation which can foster not necessarily a completely new order, but rather new ways of living and using the given.

Playful appropriation is also the tactic adopted by most of the artists in the exhibition, as a means of mirroring and suspending daily experience. Art thus acts as a distorting mirror, de-familiarizing our own bodies and practices, becoming a space of reflection, a terrain where new modes of articulation are tested and verified. Whereas other artists choose to use the platform of art as a zone where the latent conflicts and confusions inherent in everyday life are explored. Ingrained inconsistencies are brought to light in an attempt to resolve them. What emerges is a praxis or more accurately put, a re-articulation of the ordinary, not the common equations of “art=life” or “art+life”, but rather an art of life.

Simina Neagu

 

Works by
Berry Patten
Antje Peters
Anca Benera & Arnold Estefan
Olga Chernysheva
 

Simina Neagu (b. 1988) has been working as Assistant Director at Pavilion UniCredit center for contemporary art and culture, and the Pavilion journal for politics and culture and Bucharest Biennale.

 Exhibition View, Galerie Knoll, curated by_Simina Neagu, 2012, Photo: Galerie Knoll

Exhibition View, Galerie Knoll, curated by_Simina Neagu, 2012, Photo: Galerie Knoll

 Exhibition View, Galerie Knoll, curated by_Simina Neagu, 2012, Photo: Galerie Knoll

Exhibition View, Galerie Knoll, curated by_Simina Neagu, 2012, Photo: Galerie Knoll

 Exhibition View, Galerie Knoll, curated by_Simina Neagu, 2012, Photo: Galerie Knoll

Exhibition View, Galerie Knoll, curated by_Simina Neagu, 2012, Photo: Galerie Knoll


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Galerie Knoll

Gumpendorfer Straße 18 • 1060 Vienna • Austria

www.knollgalerie.at

 

Galerie Hubert Winter

 Exhibition View, Galerie Hubert Winter, curated by_Suzy M. Halajian / Marlies Wirth, 2012, Photo: Galerie Hubert Winter

Exhibition View, Galerie Hubert Winter, curated by_Suzy M. Halajian / Marlies Wirth, 2012, Photo: Galerie Hubert Winter

 

curated by_ Suzy M. Halajian / Marlies Wirth

Galerie Hubert Winter

 

Impeded Time

Betrachtet man die Frage, wie sich Kunst und Leben zueinander verhalten vor dem Hintergrund von Weiners Arbeit wird offenbar, was er selbst in seiner Referenz zu Wittgenstein zitiert: „Ein Ausdruck hat nur im Strome des Lebens Bedeutung“. Die wechselseitige Verknüpfung von Kunst und Leben ist in die Arbeit Lawrence Weiners eingeschrieben. Seinen Skulpturen begegnen wir, oft unerwartet, auch außerhalb von Galerien und Museen, im öffentlichen Raum, an den Orten, wo das Leben und die Kunst aufeinandertreffen. In seinen Statements zeigt er, immer anspruchsvoll, aber nie belehrend, Fragestellungen auf, die wir selbst anhand unserer Erfahrungen und unserer eigenen Wahrnehmung von Arbeit, Kultur und Lebenswelt interpretieren können; er bietet Möglichkeiten an, nicht Meinungen. Die Bedeutung bleibt immer im Fluss; sie wird niemals statisch oder eindimensional, sondern eröffnet zu jeder Zeit neue Wege die materielle Realität und die aktuelle soziale und politische Umgebung zu begreifen und zu hinterfragen.

 

"SOME. THING. DOES NOT LOSE VALUE JUST BECAUSE THERE SEEMS TO BE LOT OF IT. N'EST-CE-PAS? VALUE & PRICE ARE NOT RELATED. XXXXXXXLAWRENCE"


Weiner lebt seine Kunst und erlaubt zugleich den BetrachterInnen, seine Arbeit zu beleben; die Sprache ist sein Material, und gleichermaßen ist es das Leben. Seine Arbeiten tragen eine selbstverliehene Ambiguität in sich und setzen sich einer endgültigen Bestimmtheit entgegen, indem sie einen subjektiven Zugang zu ihrer Bedeutung, ihren jeweiligen Referenzen und zu dem Umfeld schaffen, in dem sie wahrgenommen werden. Durch die Temporalität der Sprache, und in ihren wechselnden Erscheinungsformen, rekontextualisiert sich auch die Zeit: Sie eröffnet denen, die schauen und wahrnehmen eine Vielzahl unterschiedlicher Zugangsweisen und Blickwinkel; in ihrer poetischen Aktualität wird Weiners Sprache immer wieder gegenwärtig und macht uns den Aspekt der Zeitlichkeit seines Konzepts und des Lebens an sich bewusst.

Suzy M. Halajian und Marlies Wirth (2012)

 

Works by
Lawrence Weiner
 Exhibition View, Galerie Hubert Winter, curated by_Suzy M. Halajian / Marlies Wirth, 2012, Photo: Galerie Hubert Winter

Exhibition View, Galerie Hubert Winter, curated by_Suzy M. Halajian / Marlies Wirth, 2012, Photo: Galerie Hubert Winter

 Exhibition View, Galerie Hubert Winter, curated by_Suzy M. Halajian / Marlies Wirth, 2012, Photo: Galerie Hubert Winter

Exhibition View, Galerie Hubert Winter, curated by_Suzy M. Halajian / Marlies Wirth, 2012, Photo: Galerie Hubert Winter


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Galerie Hubert Winter

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