Cream Cheese and Pretty Ribbons!

GALERIE MARTIN JANDA
curated by_Latitudes (Max Andrews & Mariana Cánepa Luna) 

 

DAVID BESTUÉ (*1980, lives / lebt in Barcelona)
SEAN LYNCH (*1978, lives / lebt in Brussels / Brüssel)
EULÀLIA ROVIRA & ADRIAN SCHINDLER (*1985 & 1989, live / leben in Barcelona) 
BATIA SUTER (*1967, lives / lebt in Amsterdam & Eglisau) 

 

This is an exhibition that ventures into the apparently perilous middle ground between too much content and too much form, between too many nouns and too many adjectives, between too much everyday and too much artiness. Are objects or statements that are laden with information—or those that are concerned with utility above all else—at risk of appearing aloof and extorting their own importance? Undoubtedly; just as art in an abundantly “poetic” mode might be deemed too delightful and refined.

The firebrand Viennese satirist Karl Kraus (1874–1936) begins his polemical 1910 essay Heine and the Consequences by identifying “two strains of intellectual vulgarity: defenselessness against content and defenselessness against form. The one experiences only the material side of art. It is of German origin. The other experiences even the rawest of materials artistically. It is of Romance origin. To the one, art is an instrument; to the other, life is an ornament. In which hell would the artist prefer to fry?”

The titular exclamation of the exhibition synthesizes two of Kraus’s similes for what he considered the cultural extremes of monotonous functionality on the one hand and the frivolous adornment of Romance on the other. Moreover, he judged the greater treachery was to be found in Vienna’s mixing of the two. Kraus denounced the Viennese press for its flowery impressionistic journalism at a time of looming conflict, and mocked the Wiener Werkstätte’s desire to elevate everyday objects into works of art.

The exhibition does not pretend to offer a commentary on present-day Vienna. Kraus would certainly disapprove of it. And though his characterization of the sobriety of Germanic culture and the good taste of Romance culture is something that we may still recognize (and the work of Sean Lynch does touch on unsavory caricatures of the Irish in the late 1800s) neither is this an exhibition about cultural stereotypes.

Kraus conjures up a world of robust public debate, whether in pamphlets or cafés, and accordingly the gallery is imagined as a kind of uncanny street scene. From a synoptic insight into a most utilitarian basic human need (shelter, in the work of Batia Suter) to a byword for pretense and frivolity (a facade, carved in stone in Oxford, triggers Lynch’s di- gressions) the habitat of this exhibition is the inner information and outward appearance of architecture, urban amenities and engineering details. Such features were frequently inspired by organic shapes in fin-de-siècle Art Nouveau wherever it flourished. Eulàlia Rovira & Adrian Schindler reimagine a particular model of sinuous Barcelona park bench with an especially apposite name, the “Romanic double.” Natural forms make nonsense of Kraus’s dichotomy—David Bestué knows this just as instinctively as did the Catalan Modernistes. Drawing on strategies such as disposition, wit, redundancy, or storytelling, the artists and artworks of this exhibition conspire with seemingly mundane things and images to somehow find and invent ways to rebuff, circumvent, surpass, or mitigate the spurious alternative between indulgent contents and bad Romance. 

Latitudes
Max Andrews & Mariana Cánepa Luna

 

Dies ist eine Ausstellung, die sich in die offenbar gefährliche Zone zwischen zu viel Inhalt und zu viel Form, zu vielen Substantiven und zu vielen Adjektiven, zu viel Alltag und zu viel Kunst vorwagt. Riskiert man mit Objekten oder Aussagen, die mit Informationen beladen sind – oder solchen, die vor allem anderen nützlich sein sollen –, zu abgehoben, zu bedeutungsschwanger zu erscheinen? Ohne Zweifel. Genauso wie Kunst, die allzu „poetisch“ ist, zu ergötzlich und verfeinert erscheinen kann. 

Der satirische Fackel-Träger aus Wien Karl Kraus (1874–1936) beginnt 1910 seinen polemischen Aufsatz „Heine und die Folgen“ so: „Zwei Richtungen geistiger Unkultur: die Wehrlosigkeit vor dem Stoff und die Wehrlosigkeit vor der Form. Die eine erlebt in der Kunst nur das Stoffliche. Sie ist deutscher Herkunft. Die andere erlebt schon im Stoff das Künstlerische. Sie ist romanischer Herkunft. Der einen ist die Kunst ein Instrument; der andern ist das Leben ein Ornament. In welcher Hölle will der Künstler gebraten sein?“ 

Der Ausruf im Titel der Ausstellung verbindet die beiden kulturellen Extreme, die Kraus in der öden Funktionalität einerseits und der schamlosen Anbetung romanischer Verspieltheit andererseits ausmachte. Als noch heuchlerischer empfand er indes den in Wien üblichen Kompromiss zwischen beiden Seiten. Kraus denunzierte die Wiener Presse wegen ihrer blumig- impressionistischen Schreibe, wo doch bereits der Krieg drohte, verhöhnte aber auch das Ansinnen der Wiener Werkstätte, Alltagsgegenstände zu Kunst zu erheben. 

Die Ausstellung gibt nicht vor, einen Kommentar auf die heutige Lage in Wien abzugeben. Kraus würde dies sicher missbilligen. Und obwohl wir seine Charakterisierung der Schlichtheit der germanischen Kultur und des guten Geschmacks der romanischen Kultur immer noch erkennen können (so berühren einander die Kunst von Sean Lynch und geschmacklose Karikaturen von Iren im späten 19. Jahrhundert), handelt es sich hier auch mitnichten um eine Ausstellung über kulturelle Stereotype. Kraus beschwört eine Welt, in der die öffentliche Diskussion erblüht, ob nun in Pamphleten oder im Kaffeehaus. Dem folgend ist der Galerieraum als so etwas wie eine unheimliche Straßenszene angelegt. Von einem synoptischen Einblick in die menschlichen Grundbedürfnisse (Unterkunft, in der Arbeit von Batia Suter) bis zu einer Metapher für Schein und Frivolität (eine in Stein gehauene Fassade aus Oxford, von der sich Lynch anregen ließ), besteht das Habitat dieser Ausstellung aus der inneren Information und der äußeren Erscheinung von Bauwerken, städtischen Einrichtungen und ihren technischen Details. Diese sind nicht selten von organischen Jugendstilformen des ausgehenden 19. Jahrhunderts inspiriert. Eulàlia Rovira & Adrian Schindler beziehen sich zum Beispiel auf ein eigenes Modell der geschwungenen Barcelona-Parkbank mit dem so treffenden Namen „romanisches Doppel“. Formen aus der Natur führen den Gegensatz von Karl Kraus ad absurdum, und David Bestué weiß das genauso instinktiv wie die katalanischen Modernistes. Mit Rückgriff auf Strategien wie Tendenz, Witz, Redundanz und Narrativ konspirieren die Künstlerinnen und Künstler wie die Kunstwerke der Ausstellung mit scheinbar banalen Dingen und Bildern, um mit ihnen neue Möglichkeiten auszuloten, die falsche Alternative zwischen inhaltlichem Übermaß und schlechter Romanik zurückzuweisen, zu umgehen, zu übertreffen oder abzumildern. 

Latitudes
Max Andrews & Mariana Cánepa Luna
Translation Thomas Raab

  BATIA SUTER  SHELTER SERIES, WALL VERSION #1, 2012 117 posters, laser print on paper / Poster, Laserprint auf Papier, 950 x 450 cm Installation at 'Les Prairies' Biennial for Contemporary Art, FRAC, Rennes, France Courtesy the artist

BATIA SUTER SHELTER SERIES, WALL VERSION #1, 2012
117 posters, laser print on paper / Poster, Laserprint auf Papier, 950 x 450 cm
Installation at 'Les Prairies' Biennial for Contemporary Art, FRAC, Rennes, France Courtesy the artist

  DAVID BESTUÉ  EXPOSITOR 3, 2016 Metal structure with two weights and two modernist ceramic elements / Metallstruktur mit zwei Gewichten and zwei modernistischen Keramikelementen 163,5 × 73 × 33,5 cm Courtesy García Galería, Madrid,  Photo: Roberto Ruiz

DAVID BESTUÉ EXPOSITOR 3, 2016
Metal structure with two weights and two modernist ceramic elements / Metallstruktur mit zwei Gewichten and zwei modernistischen Keramikelementen 163,5 × 73 × 33,5 cm
Courtesy García Galería, Madrid, Photo: Roberto Ruiz

  EULÀLIA ROVIRA & ADRIAN SCHINDLER  THE FEET FIXED TO THE GROUND BETRAY NO IMPATIENCE, 2016 Installation view / Installationsansicht, Fireplace, Barcelona Courtesy the artists

EULÀLIA ROVIRA & ADRIAN SCHINDLER THE FEET FIXED TO THE GROUND BETRAY NO IMPATIENCE, 2016
Installation view / Installationsansicht, Fireplace, Barcelona
Courtesy the artists

  SEAN LYNCH  A BLOW BY BLOW ACCOUNT OF STONECARVING IN OXFORD, 2013–14 Still Slide projection with voiceover (19’), stone carving, rubble, photographs, museum artefacts, printed matter / Diaprojektion mit Voiceover, Steinrelief, Schutt, Fotografien, Museumsobjekte, Drucksachen Courtesy the artist

SEAN LYNCH A BLOW BY BLOW ACCOUNT OF STONECARVING IN OXFORD, 2013–14
Still Slide projection with voiceover (19’), stone carving, rubble, photographs, museum artefacts, printed matter / Diaprojektion mit Voiceover, Steinrelief, Schutt, Fotografien, Museumsobjekte, Drucksachen
Courtesy the artist

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Latitudes (Max Andrews and Mariana Cánepa Luna)
Max Andrews and Mariana Cánepa Luna founded the Barcelona-based curatorial office Latitudes in 2005. Latitudes has recently curated exhibitions and programmes for organisations including the CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux (2017–18); Banff Centre (2017, 2015); MACBA: Museu d’Art Contemporani de Barcelona (2016) and the Barcelona Gallery Weekend (2015, 2016). Since 2016 Latitudes has edited the online reportage project ‘Incidents (of Travel)’ produced by Kadist.