While I Kiss The Sky

Gabriele Senn Galerie
curated by Goschka Gawlik & Arkadiusz Półtorak


When Jimi Hendrix released Purple Haze in 1967, he did not intend to issue a pop-environmentalist manifesto – yet this was precisely how the song was read by the Hungarian-American artist György Kepes. In the 1969 essay “Art and Ecological Consciousness”, the director of MIT’s Center for Advanced Visual Studies interpreted the refrain of Hendrix’s hit record – “Excuse me while I kiss the sky” – as an expression of “hopes of the richer, expanded world” and anger at humankind’s “short-sighted selfishness”. Testifying to the first cosmic journeys, the advance of the first network media and the birth of planetary capitalism, Kepes insisted that the closed circuits of information flows and economic exchange on Earth must be reimagined as if experienced from the outside. It was artists like Jimi Hendrix that Kepes saw fit for the task of dissociating the modern human’s self-centered perception of the world – trying to see it from within and beyond at once; staying engaged in human affairs while acknowledging the existence of the temporalities, spaces and agencies that surpass the “here and now” of modernity.


Nowadays, dissociative conceptualisations of subjectivity pervade the expanded field of visual arts. In the 2013 The Whole Earth exhibition at Haus der Kulturen der Welt, curators Anselm Franke and Diedrich Diederichsen compiled a survey of works that discussed the experience of global, technologically facilitated connectivity as immersive and abstract at once, simultaneously “engaging” and dissociated. This year, the curators of the Sharjah Biennial hit a similar note. They discussed the contemporary media ecology as “a space wherein sound hits and reverberates, where memory and imagination echo across surface”, and encouraged the biennial’s visitors to look beyond this opaque “echo chamber”. In the works of many contemporary artists, the impending ecological catastrophe and globally relevant social issues are framed within a posthuman, planetary perspective.

The exhibition While I Kiss the Sky traces the dissociative aesthetics’ development throughout the last century. Viewed chronologically, the survey begins with experimental photographs by László Moholy-Nagy, a mentor and close friend of György Kepes. Taken in 1940s, his shots testify to the drastic changes that human experience underwent at the threshold of the electrified, techno-scientific world. A 1968 video by Otto Piene (Electronic Light Ballet), another collaborator of Kepes, and a 1980 film by Natalia LL (Points of Support) provide two competing perspectives on posthuman, planetary vision; while the former is heavily mediated by techno-scientific developments, the latter is more spiritual and harks back to the ancient science of astrology. In works of a new generation of artists the scientific and the spiritual tend to intersect – thereby inspiring an eclectic, holistic outlook on the planet-wide modernisation.

Als Jimi Hendrix 1967 seine Single Purple Haze veröffentlichte, hatte er nicht vor, ein Manifest für Pop-Umweltschützer*innen herauszugeben – doch genau so wurde das Lied vom ungarisch-amerikanischen Künstler György Kepes gelesen. In dem Aufsatz Art and Ecological Consciousness von 1969 interpretierte der Gründungsdirektor des Center for Advanced Visual Studies am MIT den Refrain des Hits – „Excuse me while I kiss the sky“ – als Ausdruck der „Hoffnungen einer reicheren, wachsenden Welt“ und des Ärgers über die „kurzsichtige Selbstsucht“ der Menschheit. Zu Zeiten der ersten Weltraumfahrten, der Entwicklung erster Netzwerkmedien und der Geburtsstunde des planetarischen Kapitalismus bestand Kepes darauf, dass die geschlossenen Kreisläufe des Informationsflusses und des wirtschaftlichen Austauschs auf der Erde so konzipiert werden müssten, als ob sie von außen erlebt würden. Kepes war der Ansicht, dass Künstler wie Jimi Hendrix sich für die Aufgabe eigneten, die egozentrische Wahrnehmung des modernen Menschen zu dissoziieren, indem sie die Welt zum einen gleichzeitig von innen und von außen betrachteten und sich zum anderen mit den „human affairs“ befassten sowie auch die Existenz von Temporalitäten, Räumen und anderen Mitteln, das Hier und Jetzt der Modernität betreffend, anerkannten.

Heute durchdringen dissoziative Konzeptualisierungen von Subjektivität das erweiterte Feld der bildenden Kunst. Für die Ausstellung The Whole Earth im Haus der Kulturen der Welt (2013) haben die Kuratoren Anselm Franke und Diedrich Diederichsen eine Werkübersicht zusammengestellt, in der das Erleben globaler, technologisch erleichterter Konnektivität als immersiv und abstrakt, als inklusiv und dissoziierend zugleich diskutiert wurde. In diesem Jahr schlugen die Kurator*innen der Sharjah Biennale einen ähnlichen Ton an. Sie behandelten die zeitgenössische Medienökologie als „einen Raum, in dem Geräusche eintreffen und widerhallen, in dem Erinnerung und Imagination über die Oberfläche schallen“ und ermutigten die Besucher, über diese undurchlässige „Echo Chamber“ hinauszuschauen. In den Werken vieler zeitgenössischer Künstler*innen werden die drohende ökologische Katastrophe sowie global relevante soziale Fragen im Rahmen einer posthumanen, planetarischen Perspektive interpretiert.

Die Ausstellung While I Kiss The Sky zeichnet den Weg der dissoziativen Ästhetik im letzten Jahrhundert nach. Chronologisch gesehen beginnt der Überblick mit den experimentellen Fotografien von László Moholy-Nagy – einem Mentor und engen Freund von György Kepes. Seine Aufnahmen aus den 1940ern zeugen von den drastischen Veränderungen, die die menschliche Erfahrung an der Schwelle zur elektrifizierten, technowissenschaftlichen Welt durchlebte. Ein Video aus dem Jahr 1968 von Otto Piene (Electronic Light Ballet), ebenfalls ein Kollege von Kepes, und ein Film aus dem Jahr 1980 von Natalia LL (Points of Support) bieten zwei konkurrierende Perspektiven auf die posthumane, planetarische Vision. Während die erste vor allem durch technowissenschaftliche Entwicklungen vermittelt wird, ist letztere spiritueller Natur und greift auf die antike Wissenschaft der Astrologie zurück. In den Werken einer neuen Künstler*innengeneration scheinen sich das Wissenschaftliche und das Geistige zu überschneiden, wodurch sie einen vielseitigen und ganzheitlichen Blick auf die globale Modernisierung anregen.

Goschka Gawlik & Arkadiusz Półtorak

Cover: A Sinking Blue Field 2019, Guan Xiao, Brass, fiberglass, colored rope, knee protectors, LED lamp 151 x 60 x 90 cm, Edition 1/3 (+ 2AP), Courtesy of the artist, Antenna Space, Shanghai and Kraupa-Tuskany Zeidler, Berlin, Photo: Mareike Tocha; installation view, Guan Xiao, Products Farming, 2019, Bonner Kunstverein

Artists
Débora Delmar, *1986 in Mexico City, Mexico, lives and works in London
Nikolaus Gansterer, *1974 in Klosterneuburg, Austria, lives and works in Vienna
Alicja Kwade, *1979 in Katowice, Poland, lives and works in Berlin
Natalia LL, *1937 in Żywiec, Poland, lives and works in Wrocław
László Moholy-Nagy, *1895 in Bácsborsód, Hungary, died 1947 in Chicago
Katja Novitskova, *1984 in Tallinn, Estonia, lives and works in Amsterdam and Berlin
Otto Piene, *1928 in Laasphe, Germany, died 2014 in Berlin
Sung Tieu, *1987 in Hai Duong, Vietnam, lives and works in London and Berlin
Guan Xiao, *1983 in Chongqing Province, China, lives and works in Beijing

Annual Report (Rate of Extinction) (IV) 2018  Katja Novitskova  UV printer ink, epoxy clay, nail polish, 34 x 25 x 1 cm unique Courtesy of the artist and Kraupa-Tuskany Zeidler, Berlin   Photo: def_image

Annual Report (Rate of Extinction) (IV) 2018
Katja Novitskova

UV printer ink, epoxy clay, nail polish, 34 x 25 x 1 cm unique
Courtesy of the artist and Kraupa-Tuskany Zeidler, Berlin
Photo: def_image

About the impossibility of objective perception 2013  Nikolaus Gansterer  Chalk on blackboard, 180 x 110 cm Courtesy of the artist

About the impossibility of objective perception 2013
Nikolaus Gansterer

Chalk on blackboard, 180 x 110 cm
Courtesy of the artist

Auto Headlights (white, orange, and red traffic squiggles), Chicago 1937-46  László Moholy-Nagy  Chromogenic print, 22.5 x 34 cm; 41.5 x 51.5 cm (framed) AP I/I of an edition of 10 + I AP Courtesy of the Moholy-Nagy Foundation and the Natalia Hug Gallery, Cologne

Auto Headlights (white, orange, and red traffic squiggles), Chicago 1937-46
László Moholy-Nagy

Chromogenic print, 22.5 x 34 cm; 41.5 x 51.5 cm (framed) AP I/I of an edition of 10 + I AP
Courtesy of the Moholy-Nagy Foundation and the Natalia Hug Gallery, Cologne

Punkty podparcia/Points of Support 1978 Natalia LL Mixed technique’  50 x 100 cm Courtesy of the artist and lokal_30 gallery, Warsaw

Punkty podparcia/Points of Support 1978 Natalia LL
Mixed technique’

50 x 100 cm
Courtesy of the artist and lokal_30 gallery, Warsaw

Donnerstag, 13. März 2014, 11:21:00 Uhr 2014  Alicja Kwade  Aluminium, zinc, lead, copper, nickel, tin, silver, gold 14,2 x 190 x 117 cm, unique Courtesy of Sammlung Franziska und Christian Hausmaninger   Photo: Alicja Kwade Studio

Donnerstag, 13. März 2014, 11:21:00 Uhr 2014
Alicja Kwade

Aluminium, zinc, lead, copper, nickel, tin, silver, gold 14,2 x 190 x 117 cm, unique
Courtesy of Sammlung Franziska und Christian Hausmaninger
Photo: Alicja Kwade Studio

Electronic Light Ballet 1968 Otto Piene  Film still Produced by WGBH-TV Boston as part of the television program “The Medium is the Medium“  © Otto Piene Estate / VG Bild-Kunst, Bonn / WGBH Media Library and Archives  Courtesy of Sprüth Magers

Electronic Light Ballet 1968
Otto Piene

Film still
Produced by WGBH-TV Boston as part of the television program “The Medium is the Medium“
© Otto Piene Estate / VG Bild-Kunst, Bonn / WGBH Media Library and Archives
Courtesy of Sprüth Magers

Objects in the mirror are closer than they appear 2018  Sung Tieu & Debora Delmar   Wing mirrors, aluminium poles, fixings, dimensions variable Courtesy of the artists   Photo: Andy Keate

Objects in the mirror are closer than they appear 2018
Sung Tieu & Debora Delmar

Wing mirrors, aluminium poles, fixings, dimensions variable
Courtesy of the artists
Photo: Andy Keate

Bio
GOSCHKA GAWLIK
is an independent curator and art critic. She has been the artistic director of programs by private and public institutions. She has also written catalogue texts and curated numerous exhibitions – among them Der neue Staat zwischen Experiment und Repräsentation, Polnische Kunst 1918-1938, Leopold Museum, Vienna (2003, CoCurator Romana Schuler) and The Culture Collider: Post-Exotic Art, Muzeum Manggha, Kraków (2018).

ARKADIUSZ PÓŁTORAK (Poland, 1992) – curator and writer; PhD candidate in the Faculty of Polish at the Jagiellonian University and graduate of De Appel Curatorial Programme (2017/2018); co-founder of Kraków-based art initiative Elementarz dla Mieszkańców Miast; contributing editor at Magazyn Szum.