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Charim Galerie
curated by Tamar Margalit
Tamar Margalit (*1983) ist seit 2022 als Kuratorin am Center for Contemporary Art (CCA) in Tel Aviv-Jaffa tätig. In dieser Funktion hat sie Einzelausstellungen der Künstlerinnen und Künstler Rona Yefman, Ruth Patir, Etti Abergel, Gilad Ratman, Daniel Meir, Omer Halperin, Yasmin Vardi, Manar Zuabi und Amir Yatziv sowie die Gruppenausstellungen Substrate und Spectacular Failure organisiert. Zudem war sie Ko-Kuratorin der Ausstellung von Ruth Patir im israelischen Pavillon der 60. Biennale von Venedig sowie deren anschließender Präsentation im Tel Aviv Museum of Art im Jahr 2025.
Zwischen 2016 und 2021 war Margalit als kuratorische Assistentin am Museum of Modern Art in New York tätig, wo sie Teil des kuratorischen Teams der musealen Retrospektive von Donald Judd war und an der Arbeitsgruppe für Ankäufe zeitgenössischer Kunst für die Sammlung des MoMA mitwirkte. Von 2013 bis 2016 war sie Ausstellungsdirektorin der Galerie Luxembourg & Dayan in New York, wo sie unter anderem Ausstellungen von Alex Da Corte und Enrico Baj sowie Performances von Aki Sasamoto und Madeline Hollander organisierte. Darüber hinaus kuratierte sie Ausstellungen an der Wallach Gallery der Columbia University in New York, der Sommer Gallery in Tel Aviv, der Charim-Ungar Gallery in Berlin, den Artists’ Studios in Jerusalem sowie im Artists’ House in Tel Aviv.
Margalits Texte erschienen in mehreren Publikationen des MoMA, darunter Judd und Being Modern. Kürzlich gab sie die Kataloge Etti Abergel: Memoir sowie Ruth Patir: (M)otherland heraus und verfasste Beiträge dafür. Sie besitzt einen Masterabschluss in moderner Kunstgeschichte von der Columbia University in New York sowie einen Bachelorabschluss in Kunstgeschichte und Volkswirtschaftslehre von der Universität Tel Aviv.
geboren in 1983, lebt und arbeitet in Tel Aviv
geboren in 1984, lebt und arbeitet in Wien
Ausstellungstext
Solange jene Frau aus dem Rijksmuseum
in gemalter Stille und Konzentration
Tag für Tag Milch
aus dem Krug in die Schale gießt,
hat die Welt
das Ende der Welt nicht verdient.
— Wisława Szymborska, Vermeer (2009)
Meine Arbeit wird das Werk sein.
— Mierle Laderman Ukeles, Manifesto for Maintenance Art (1969)
Manuals for Getting By bringt die Arbeiten von Chen Cohen und Melanie Ender zusammen, zwei Künstlerinnen, deren Praxis von Akten der Aufmerksamkeit gegenüber Material und einem intimen Umgang damit geprägt ist. Obwohl sie mit unterschiedlichen Medien und Ansätzen arbeiten – Cohen vorwiegend mit Fotografie, meist mit Darstellungen des Körpers, häufig ihres eigenen, und Ender vor allem mit scheinbar abstrakter Skulptur –, teilen ihre Arbeiten dennoch eine bestimmte Logik und Sensibilität. Beide begreifen die Existenz, das Sein selbst, als etwas, das einer fortwährenden Aushandlung mit der Welt bedarf – sei es durch Anpassung, Ausdauer oder Fürsorge. Sie arbeiten mit seriellen Verfahren: Gesten werden wiederholt, Materialien erneut aufgegriffen, Bilder gedruckt und wieder gedruckt, Oberflächen dürfen sich verändern, Formen werden fortlaufend angepasst. Wiederholung wird für sie zu einer Möglichkeit auszuloten, wie Körper, Objekte und Beziehungen unter sich verändernden Bedingungen fortbestehen.
Chen Cohens Fotografien sind nicht als singuläre Bilder komponiert. Vielmehr entstehen sie aus Handlungen, die ausgeführt und mit der Kamera – gleich welcher – festgehalten und anschließend gedruckt, erneut gedruckt, kopiert und in ihrer Qualität reduziert werden. Für Cohen scheint der Verlust von Information eine Spur von Lebendigkeit zu verdichten. Freund*innen halten sie, tragen sie, stützen sie, reinigen sie, verletzen sie auf ihren Wunsch hin und werden so zu Mitwirkenden in einer fortlaufenden Aushandlung der Grenzen und Bedürfnisse des Körpers. Ihre Bilder sind reduziert und skelettartig, tragen jedoch die Intensität eines Körpers in sich, der fragil, widerstandsfähig und zutiefst lebendig ist.
Melanie Enders Installationen entstehen aus ähnlich rekursiven Verfahren. Altmetalle, die sie auf dem Schrottplatz sammelt, darunter Kupfer, Stahl, Messing oder Aluminium, werden gereinigt, gebogen, ausbalanciert und neu konfiguriert. Die Rückstände, die bei der Reinigung einer oxidierten Oberfläche entstehen, werden auf unbehandelte Baumwolle übertragen und werden so Teil des Lebenszyklus ihrer Arbeit. Ihre Skulpturen stehen selten für sich allein. Gliedmaßenartige Metallformen krümmen und biegen sich, lehnen an Wänden oder halten gerade so das Gleichgewicht, um aufrecht zu bleiben. Sie rosten, oxidieren, korrodieren. Die Zeit trägt sie ab – doch das ist einkalkuliert, sogar willkommen.
Die Ausstellung entlehnt ihren Titel dem bescheidenen Versprechen eines Handbuchs – einer Reihe vorläufiger Anweisungen, die sich aus der Praxis heraus entwickeln. Hier wird das Handbuch zu einer Denkfigur dafür, wie wir zurechtkommen. Körper stützen sich auf andere Körper. Materialien bedürfen der Pflege. Formen bestehen fort, indem sie sich ihrer eigenen Instabilität anpassen. Zärtlichkeit zeigt sich als eine Form anhaltender Aufmerksamkeit: gegenüber einem anderen Menschen, dem eigenen Körper und der eigensinnigen Materialität der Welt. In Ukeles’ Sinne ist Instandhaltung nicht bloß praktisch. Sie ist existenziell. Wie die Milchmagd in Vermeers Gemälde, die immer weiter Milch einschenkt, beharren diese Arbeiten auf den lebensbejahenden Qualitäten alltäglicher Handlungen.
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