Zeller van Almsick
curated by Piero Bisello
Piero Bisello ist Kunstkritiker und lebt in Brüssel. Er hat einen Hintergrund in Kunstgeschichte und Philosophie, mit einer Spezialisierung auf analytische Ästhetik. Seine Texte sind in Zeitschriften wie Artforum, Glean, CFA und anderen erschienen. Von 2019 bis 2023 war er Redakteur von CFA. Derzeit ist er Mitbetreiber von Gauli Zitter in Brüssel.
Welcher Aspekt von „Untold Narratives“ ist für die Ausstellung, die Sie kuratieren, relevant?
Hinter einer „Untold Narrative“ steht die Erwartung, dass es überhaupt eine Erzählung gibt. Sie ist da, muss aber noch erzählt werden. Ich habe diese Ausstellung ohne diese Erwartung kuratiert, mit der Vorstellung, dass, wenn es eine Erzählung gibt, sie auch aus ein paar mehr oder weniger kohärent zusammengestellten Kunstwerken im selben Raum entstehen könnte. Diese kuratorische Haltung hat mehr mit der Autonomie der Ausstellung zu tun als mit persönlichem Zynismus oder intellektueller Trägheit: Ich wünsche mir, dass eine Erzählung, wenn überhaupt, erst dann zum Vorschein kommt, wenn die Werke zusammen im Raum stehen. Ich möchte vermeiden, dass den Werken eine Absicht unterstellt wird, bevor sie an einem Ort zu sehen sind. Wenn sie eine Absicht haben - oder wenn ich oder die Künstler eine haben -, dann muss man sie sehen. Ich betrachte eine nicht erzählte Geschichte als chronologisch abhängig, als eine Aussage, die in der Zeit der kommenden Ausstellung gemacht wird.
Wie würden Sie Ihre kuratorische Praxis beschreiben? Was unterscheidet sie von anderen Ansätzen?
Sie ist spontan, mit sehr wenig Ehrgeiz, um zu wissen, in welche Richtung es gehen könnte, bis die Ausstellung eröffnet wird. Ich habe jedoch ein starkes Gefühl dafür, welche Art von Kunst oder Kunstwerk neben ein anderes gestellt werden sollte, ein Gefühl, das von einem intellektuellen Programm, einer akademischen Ausbildung, einer glücklichen Intuition oder einer Mischung aus beidem herrühren kann. Im Fall der Ausstellung „Curated by“ bei Zeller van Almsick hat mich das vage Konzept des „Kunstfindens“ im Gegensatz zum „Kunstmachen“ inspiriert, das eher ein unscharfer Rahmen für das Kuratieren ist als alles andere.
Wie haben Sie sich für die Künstler entschieden, die Sie eingeladen haben?
Bevor ich Künstler zur Teilnahme an einer Ausstellung einlade, muss ich sie oder ihr Werk in der Regel ausreichend gut kennen, was viel Zeit in Anspruch nimmt. Ich neige dazu, Künstlern zu vertrauen und sie zu mögen, deren Entwicklung ich im Laufe der Zeit mitverfolgen konnte. Ich habe generell eine Vorliebe für Kunst, die nicht auf den ersten Blick wie Kunst aussieht, die man erst einmal sacken lassen muss. Ich hoffe, die Ausstellung in Wien wird diese Vorliebe widerspiegeln.
Was motiviert Sie dazu, Ausstellungen zu kuratieren?
Einen Künstler in einer Ausstellung zu kuratieren ist eine der besten Möglichkeiten, ihn besser kennenzulernen. Beim Kuratieren geht es für mich um Neugierde. Ich genieße es, Gelegenheiten für überraschendes Vergnügen und Entdeckungen zu schaffen, ja sogar für geistige Bereicherung. Ausstellungen sind eine dieser Gelegenheiten.
Welcher Aspekt von „Untold Narratives“ ist für die Ausstellung, die Sie kuratieren, relevant?
Hinter einer „Untold Narrative“ steht die Erwartung, dass es überhaupt eine Erzählung gibt. Sie ist da, muss aber noch erzählt werden. Ich habe diese Ausstellung ohne diese Erwartung kuratiert, mit der Vorstellung, dass, wenn es eine Erzählung gibt, sie auch aus ein paar mehr oder weniger kohärent zusammengestellten Kunstwerken im selben Raum entstehen könnte. Diese kuratorische Haltung hat mehr mit der Autonomie der Ausstellung zu tun als mit persönlichem Zynismus oder intellektueller Trägheit: Ich wünsche mir, dass eine Erzählung, wenn überhaupt, erst dann zum Vorschein kommt, wenn die Werke zusammen im Raum stehen. Ich möchte vermeiden, dass den Werken eine Absicht unterstellt wird, bevor sie an einem Ort zu sehen sind. Wenn sie eine Absicht haben - oder wenn ich oder die Künstler eine haben -, dann muss man sie sehen. Ich betrachte eine nicht erzählte Geschichte als chronologisch abhängig, als eine Aussage, die in der Zeit der kommenden Ausstellung gemacht wird.
Wie würden Sie Ihre kuratorische Praxis beschreiben? Was unterscheidet sie von anderen Ansätzen?
Sie ist spontan, mit sehr wenig Ehrgeiz, um zu wissen, in welche Richtung es gehen könnte, bis die Ausstellung eröffnet wird. Ich habe jedoch ein starkes Gefühl dafür, welche Art von Kunst oder Kunstwerk neben ein anderes gestellt werden sollte, ein Gefühl, das von einem intellektuellen Programm, einer akademischen Ausbildung, einer glücklichen Intuition oder einer Mischung aus beidem herrühren kann. Im Fall der Ausstellung „Curated by“ bei Zeller van Almsick hat mich das vage Konzept des „Kunstfindens“ im Gegensatz zum „Kunstmachen“ inspiriert, das eher ein unscharfer Rahmen für das Kuratieren ist als alles andere.
Wie haben Sie sich für die Künstler entschieden, die Sie eingeladen haben?
Bevor ich Künstler zur Teilnahme an einer Ausstellung einlade, muss ich sie oder ihr Werk in der Regel ausreichend gut kennen, was viel Zeit in Anspruch nimmt. Ich neige dazu, Künstlern zu vertrauen und sie zu mögen, deren Entwicklung ich im Laufe der Zeit mitverfolgen konnte. Ich habe generell eine Vorliebe für Kunst, die nicht auf den ersten Blick wie Kunst aussieht, die man erst einmal sacken lassen muss. Ich hoffe, die Ausstellung in Wien wird diese Vorliebe widerspiegeln.
Was motiviert Sie dazu, Ausstellungen zu kuratieren?
Einen Künstler in einer Ausstellung zu kuratieren ist eine der besten Möglichkeiten, ihn besser kennenzulernen. Beim Kuratieren geht es für mich um Neugierde. Ich genieße es, Gelegenheiten für überraschendes Vergnügen und Entdeckungen zu schaffen, ja sogar für geistige Bereicherung. Ausstellungen sind eine dieser Gelegenheiten.
Artworks upon the earth
Auf den ersten Blick hat Raphael Rubinsteins Konzept der provisorischen Malerei wenig mit dem zu tun, was hier zu sehen ist. Der amerikanische Kritiker spricht von „Werken, die beiläufig, gestrichelt, zaghaft, unvollendet oder selbstauflösend wirken“. Nichts von dieser Art ist in dieser Ausstellung zu sehen, was mich dennoch dazu veranlasst, auf Rubinsteins Vorläufigkeit zurückzukommen, weil ich das Gefühl habe, dass das Konzept einen Schlüssel zum Verständnis dieser Werke bieten könnte.
Ein nicht signierter Text über Daan Van Golden auf der Website der Galerie Misako & Rosen erwähnt „die lebenslange Beschäftigung des Künstlers mit einer radikal kreativen Praxis der Kunstfindung“. Steht „Kunst finden“ im Gegensatz zu „Kunst machen“, frage ich mich. Der Text sagt es nicht. Als distanzierter Beobachter der Pop Art, als reiselustiger Europäer, der nie lange blieb, entwickelte Van Golden Werke, in die er alltägliche Elemente einbettete, wie es seine berühmteren amerikanischen Kollegen taten. Er fand Kunstwerke in den Dingen, die von Zufälligkeiten abhängig waren, und lehnte die Autorität des Autors ab, indem er dem Raum gab, was das Leben ihm brachte: Werke anderer Künstler, Textil- und Papierdesign, Medienbilder und vieles mehr.
Van Goldens Haltung war die eines Kommentators der Erzählungen anderer, eines nonchalanten Kunstfinders gegenüber einer Fülle von Kunstschaffenden, eines Analytikers gar. Spuren seiner Haltung finden sich auch in den anderen ausgestellten Werken: Sophie Nys' Interpretation der einfachsten Bank, die man auf der Skipiste findet, in den Proportionen aufgeblasen, aber nur leicht, utilitaristisch, sofern man bereit ist, ein Kunstwerk zu berühren; Laurent Duponts Pappkartons, übermalt, wie er sie vorgefunden hat, falsch einfache Werke, bei denen man verweilen sollte; Megan Plunketts Banalitäten, die zu digitalen Kuriositäten werden, nicht ganz der bildbasierte magische Realismus, den man erwarten würde; Hong Zeiss' gemalte Kopien von Natursteinen, deren Details zum gefundenen Malmotiv werden, befreit von der Verantwortung der Komposition.
Die Ausstellung betrachtet das Provisorium trotz seiner formalen Umsetzung in die Malerei, die Rubinstein in seinem Essay ursprünglich im Blick hatte. Stattdessen überlässt die Ausstellung die provisorische Malerei den provisorischen Wegen und zeigt Künstler, die insofern provisorisch sind, als sie sich als Subjekte ihrer Welt begreifen, die kommentieren und auf das achten, was ihnen begegnet.
Events
Media
Bilder
Laurent Dupont, "Exam Table", 2023, acrylic on cardboard box, 62 x 92 x 6 cm
Courtesy of the artist and Gauli Zitter.
Laurent Dupont, "Club 250", 2020, acrylic on cardboard box, 46 x 45,5 x 32 cm
Courtesy of the artist and Gauli Zitter
SKIBANK (FOR HELGA) BENCH, Yellow pine, L 167 x W 48,5 x H 58 cm
2023, limited edition of 8 pieces + 1 Prototype + 2 A.P.
Courtesy of Maniera and Sophie Nys
Megan Plunkett, Big Shot 01, 2023, Inkjet print on glossy paper mounted on foamcore, 7 7/8 x 4 1/2 in ,20 x 22.5 cm.
Courtesy of Megan Plunkett and Sweetwater
Megan Plunkett, The Crawling Key 02, 2024, Inkjet print on glossy, metallic paper mounted on foamcore, 6 x 3 5/8 x 1/2 in, 15.2 x 9.1 x 1.3 cm
Courtesy of Megan Plunkett and Sweetwater