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Galerie Hubert Winter
curated by blaxTARLINES
blaxTARLINES KUMASI ist ein experimenteller Inkubator für zeitgenössische Kunst und eine Gemeinschaft, die aus dem Projekt von kąrî'kạchä seid'ou hervorgegangen ist, "Kunst von der Ware zum Geschenk zu transformieren", und die dafür verantwortlich ist, die Kunst in Ghanas führender Kunsthochschule KNUST (Kwame Nkrumah University of Science and Technology) in Kumasi von der klassischen und europäischen Moderne vor den 1960er Jahren zu entmystifizieren. Als generationen- und kulturübergreifende Gemeinschaft, die nach einem generativen Modell und einer affirmativen Politik arbeitet, hat blaxTARLINES ein breites Spektrum an Initiativen für das Wachstum und die Aufrechterhaltung einer kritischen Kunstpraxis in Ghana und darüber hinaus umgesetzt, indem es materielle und immaterielle Infrastrukturen wie die gemeinsame Entwicklung von kulturellen Plattformen, Lehrplänen, Residenzen, sozialen Netzwerken, Ateliers und öffentlich zugänglichen Kunsträumen geschaffen hat. Durch seinen kollaborativen Ansatz war blaxTARLINES auch an einer Reihe von Ausstellungen auf internationaler Ebene beteiligt. Das jüngste Projekt ist der Beitrag zur Ljubljana Biennale of Graphics Arts in Zusammenarbeit mit Ibrahim Mahama und Exit Frame, beide Mitglieder des blaxTARLINES Netzwerks. Art Review hat blaxTARLINES in seine Power 100 für 2022 und 2023 aufgenommen. Kwaku Boafo Kissiedu (Castro), Mitbegründer, adminsitrativer Direktor und einer der künstlerischen Leiter von blaxTARLINES, ergänzt die Vision von blaxTARLINES durch seine Spezialisierung auf die Leitung historischer und thematischer Ausstellungen durch eine postkoloniale Linse, die Verbindungen zwischen Vergangenheit und Gegenwart, lokalen und internationalen künstlerischen Praktiken herstellt. Kissiedu ist auch leitender Dozent an der renommierten Abteilung für Bildende Kunst an der KNUST Kumasi, wo er zusammen mit kąrî'kạchä seid'ou und anderen Kolleg:innen Pionierarbeit für revolutionäre Veränderungen in der Kunstpädagogik geleistet hat, die Künstler:innen wie Ibrahim Mahama hervorgebracht und Kumasi zu einem kreativen und inspirierenden internationalen Kunstzentrum gemacht haben. Nuna Adisenu-Doe, ein Mitglied und langjähriger Mitarbeiter der blaxTARLINES-Gemeinschaft, ist Kurator und Gründungsdirektor der Compound House Gallery in Accra, Ghana. Er war ein Schüler von kąrî'kạchä seid'ou und Kissiedu. Inspiriert von den emanzipatorischen und radikalen Praktiken von blaxTARLINES, Kumasi, vertritt Nuna das Ethos der Compound House Gallery als einen Raum, der das Experimentieren in den Vordergrund stellt und die politische Sensibilität der Künstler:innen anregt. In seiner Arbeit als freier Kurator konzentriert er sich auf die Trümmer der Massenkultur als Geburtsstätte philosophischer Wahrheiten.
Akosua Odeibea Amoah-Yeboah (*1998) ist eine multidisziplinäre Künstlerin, die Transformation durch digitale Medien erforscht. Sie interessiert sich für Zeichensysteme, Sprache, Aneignung, Memes, Politiken des Körpers und Technologie. Sie transformiert diese Ideen von einer Form in eine andere, da sie Ideen als Materialien sieht, die über ihre bloßen Formen hinaus erweitert werden können (Materialien der Elastizität/Verformbarkeit). Ihre Arbeiten reichen von digitalen Gemälden und Videoinstallationen bis hin zu musikalischen Skripten und Klängen. Ihre aktuellen Arbeiten hacken präzise in audiovisuelle Software, um Fehler und Störungen in vorgefertigten Algorithmen zu erzeugen. Dies beinhaltet einen Ouroboros-artigen Prozess des „Zwangsfütterns“ von Texten und Videos in Audio-Software, was zu technologischer Abstoßung führt, die in dissonante Klänge übersetzt wird—wie Text- oder Videodaten, die sich in einem inkompatiblen Audio-Medium selbst aufzehren.
Kelvin Kweku Haizels (*1987) künstlerische Praxis umfasst Malerei, konzeptuelle Fotografie und archivische Interventionen. Neben seinen Gemälden, die ihre Ästhetik von den transaktionalen Prozessen der Farbenfachgeschäfte in seinem Heimatland übernehmen, begannen seine fotografischen Interessen mit einer ontologischen Frage: Was ist das Objekt eines Bildes? Dieses Interesse führte dazu, dass er Experimente zur Herstellung von Bildern im erweiterten Feld des Fotografischen entwickelte. Von Schnappschuss bis inszeniert, von dokumentarisch bis zur archivarischen Untersuchung, seine Herangehensweise an das Bild war konsequent mit seinem Interesse verbunden, das Privileg des Bildes als Ort der Bedeutung zu destabilisieren, wobei er historische Ereignisse als Täuschung verwendet. Seine erweiterten Werkgruppen scheinen zu fragen, was Bilder bewirken können. Es ist eine materialistische Haltung zur Produktion von Bildern, die sich auf die Vielseitigkeit und Plastizität des Bildes in seinen phänomenologischen Erscheinungsformen stützt. Haizels materialistische Haltung zur Herstellung von Bildern hat zu verschiedenen Werkgruppen geführt, die in Ausstellungen in seinem Heimatland Ghana und international gezeigt wurden.
Gideon Kobbla Hanyame, geboren 1996 in Teshie-Nungua Zongo-Accra, Ghana, ist ein Künstler, der zwischen Accra und Kumasi lebt und arbeitet. Seine Leidenschaft gilt dem Prozess des Kunstschaffens selbst, bei dem er Konzepte erforscht und mit ihnen experimentiert. Seine Werke spiegeln ein dynamisches Zusammenspiel von Konstruktion und Dekonstruktion wider, das sich mit dem Begriff der Identität, der Flexibilität, der Ästhetik und der Nachahmung von Objekten auseinandersetzt. In der Sprache der Schafe bezeichnet er seine Werke als Nusia, was im Englischen mit „Ding“ übersetzt wird, da es vielfältige Eigenschaften aufweist.
Dieser Ansatz verbindet die Disziplinen Malerei, Skulptur, Zeichnung, Collage und Installation miteinander. Hanyames Arbeiten zeichnen sich durch die innovative Verwendung von ausrangierten und neuen Materialien aus, darunter mit Schnüren umwickelte Wasserfilter und Mehlsäcke. Er ist vor allem für seine komplizierten Wandteppiche und Installationen bekannt, die oft einzigartige strukturelle Befestigungen aufweisen.
In seinem kreativen Prozess zerlegt Hanyame Formen und setzt sie neu zusammen und lädt den Betrachter ein, die Grenzen zwischen dem Greifbaren und dem Konzeptuellen zu überdenken. Seine Fähigkeit, die Körperlichkeit von Materialien mit abstrakten Konzepten zu verschmelzen, schafft eine unverwechselbare visuelle Sprache, die sowohl zum Nachdenken anregt als auch visuell überzeugend ist.
Hanyame schloss sein Studium an der Kwame Nkrumah University of Science and Technology, Kumasi, mit einem Bachelor of Fine Art ab. Derzeit absolviert er an der gleichen Einrichtung einen Master of Fine Art (2023 bzw. 2024). Im Jahr 2024 wurde er mit dem Baden-Württemberg Stipendium ausgezeichnet, um an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Karlsruhe zu studieren. Er ist Mitglied eines Projektraums und Inkubators für zeitgenössische Kunst - blaxTARLINES der Abteilung für Malerei und Bildhauerei der Kwame Nkrumah University of Science & Technology, Ghana.
Er hat an Gruppenausstellungen auf internationaler und lokaler Ebene teilgenommen: „After Life“ im Jahr 2024 in der Nubuke Foundation, Accra-Ghana, „Worldmaking“, kuratiert vom Künstler Gideon Appah und Ylinka Barotto, im Jahr 2023 bei Mitchell-Innes & Nash, London, und „A Little Like a Dream: Suspended in Time and Space“ im Nation Museum of Ghana, Accra. Außerdem in „Coordinate;6.682663, -1.574128“, einem Zusammenschluss von Kunst aus Karlsruhe und Kumasi, kuratiert von Elolo Bosoka. Im Jahr 2022 nahm er an der Ausstellung „Remnant of our Dream“ der Foundation for Contemporary Art-Ghana und des 360 Project Gh teil, kuratiert von Awoa Amoah, Abbey IT-A und Ato Annan. Er war auch Teilnehmer des Festivals der Weberei Tradition, Woori, Loho-wa.
Daniel Arnan Quarshie (*1995) ist ein multidisziplinärer Künstler, dessen Praxis Zeichnung, Installation, Skulptur und Klang umfasst. Seine Praxis entstand als Versuch, das Medium Zeichnung neu zu definieren, um sie mit anderen wie Malerei und Skulptur gleichzustellen. Seine Arbeit befasst sich mit sozialen Themen wie Tod, Verlust, Abwesenheit, Erinnerung und dem Vergehen der Zeit und setzt sich mit der Politik des Kapitalismus, der Arbeit, des Überkonsums und der Umweltzerstörung auseinander. Er stellt sein Medium kontinuierlich in Frage, indem er sich aus dem Alltäglichen bedient, um Komposition, Form, Maßstab und Darstellungsformate zu untersuchen.
The Allegory of Decoy
— Kunst als Köder für sozialen und politischen Wandel
Der Zeitabschnitt, der verschiedene Kunstpraktiken und Diskurse innerhalb der Abteilung für Malerei und Bildhauerei an der KNUST (Kwame Nkrumah University of Science and Technology) geprägt hat, hatte einen tiefgreifenden und weitreichenden Einfluss auf Künstler*innen in Ghana und darüber hinaus. Dieser Einfluss lässt sich auf die stille Revolution zurückführen, die durch das Projekt des emanzipatorischen Kunstunterrichts von Kąrî'kạchä seid'ou ausgelöst wurde und die bereits in den 2000er Jahren an Dynamik gewann. Bei dieser Revolution ging es nicht nur um die Umgestaltung künstlerischer Techniken, sondern sie war eng mit umfassenderen Theorien politischer Bewegungen verwoben, die teilweise an das revolutionäre Ethos von Kwame Nkrumah anknüpften. In Kwesi Ohene Ayehs „Notes on Contemporary Ghanaian Art: Histories and Emergences“ zeichnet er kritisch die Geschichte des kolonialen akademischen Lehrplans von der Zeit vor der Unabhängigkeit bis heute nach.
Nkrumahs Vision der Dekolonisierung ging über die politische Unabhängigkeit hinaus und betonte die Bedeutung der kulturellen und geistigen Emanzipation. In dieser Ausstellung manifestiert sich der Kontext der zeitgenössischen ghanaischen Kunst als eine Art „Lockvogel“, bei dem die Kunst als strategisches Instrument dient, um festgefahrene Machtsysteme herauszufordern und zu stören. Die Auswüchse der globalen Kunstwelt – die oft durch ihre kommerziellen und institutionellen Verstrickungen gekennzeichnet sind – werden durch Praktiken konfrontiert, die dem Experimentieren und der Subversion Vorrang einräumen und das Potenzial der Kunst als Mittel für soziale und politische Veränderungen offenbaren.
Mit dem Begriff „Lockvogel“ wird in diesem Zusammenhang die Frage gestellt, ob Kunst die Macht hat, die „Aufteilung des Sinnlichen“ zu stören – die Art und Weise, in der soziale und politische Realitäten wahrgenommen und verstanden werden. Indem sie Praktiken anwenden, die traditionellen künstlerischen Normen zu entsprechen scheinen, diese jedoch subtil unterlaufen, können Künstler*innen die Kunst als Lockvogel nutzen, um dominante Ideologien in Frage zu stellen und alternative Erzählungen anzubieten. Dieser Ansatz spiegelt sich in der Arbeit von blaxTARLINES wider, die durch ihre radikalen pädagogischen Praktiken versuchen, historische Narrative zu dekonstruieren und sie auf eine Weise zu rekonstruieren, die sich mit den heutigen soziopolitischen Realitäten auseinandersetzt.
Auch die Arbeiten von Theoretikern wie Homi Bhabha, der das Konzept der Hybridität erforscht, bieten Einblicke, wie Kunst als Ort des Widerstands und der Verhandlung dienen kann. Indem sie sich die Hybridität zu eigen machen, können Künstler*innen Werke schaffen, die die binären Gegensätze von Kolonisator und Kolonisierten, Zentrum und Peripherie in Frage stellen und stattdessen ein nuancierteres und komplexeres Verständnis von Identität und Macht präsentieren. Diese Hybridität kann selbst als Köder fungieren, der Betrachter*innen in vertraute Tropen lockt, um sie dann auf eine Art und Weise zu stören und umzugestalten, die eine kritische Reflexion hervorruft und zu Veränderungen anregt.
Das Konzept, von Leere auszugehen, ein zentrales Prinzip von blaxTARLINES, erinnert an Nkrumahs Vision, eine neue, von kolonialen Zwängen freie Identität zu schaffen. Dieser Ansatz ist nicht auf ein bestimmtes Medium oder Produktionsformat ausgerichtet oder bevorzugt dieses, sondern fördert eine Haltung der Neugier und des Experimentierens. Indem sie sich mit dem Chaos und den Überresten der Geschichte auseinandersetzen, setzen sich die Künstler*innen mit dem kolonialen Erbe auseinander und schaffen gleichzeitig einen offenen Raum für das Entstehen innovativer Formen technologischer, kultureller und politischer Ausdrucksformen.
Dieser Rekonstruktionsprozess ist nicht nur ein Mittel, um Zurückzublicken, sondern auch ein strategischer Akt der Ablenkung – ein Köder, der die Aufmerksamkeit auf zukünftige Möglichkeiten der Befreiung lenkt.
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Bilder
Courtesy of the artist and Galerie Hubert Winter, Vienna. (Photo by the artist)
