Krinzinger Schottenfeld
curated by Mohamed Bourouissa

Geboren 1978, lebt und arbeitet in Frankreich

Mohamed Bourouissa wurde 1978 in Blida, Algerien, geboren und lebt und arbeitet heute in Gennevilliers, Frankreich. Jedem Projekt von Mohamed Bourouissa geht eine lange Phase des Eintauchens in die Materie voraus, in der eine neue Situation der Verkündigung entsteht. Im Gegensatz zu falsch vereinfachten Medienkonstruktionen führt der Künstler die Komplexität in die Darstellung der Ränder der Hyper-Sichtbarkeit ein.

Sein Werk wurde in zahlreichen Einzelausstellungen in Frankreich und im Ausland gezeigt, so im Palais de Tokyo 2024, im Lam - Lille Métropole Musée d'art moderne, d'art contemporain et d'art brut à Villeneuve d'Ascq, im Musée d'Art moderne de Paris, das Centre Pompidou in Paris, die Barnes Foundation in Philadelphia, das Stedelijk Museum in Amsterdam, basis in Frankfurt, das BAL in Paris, das Haus der Kunst in München und das FRAC Franche-Comté in Besançon. Er hat an den Biennalen von Sharjah, Havanna, Lyon, Venedig, Algier, Liverpool und Berlin sowie an der Mailänder Triennale teilgenommen. Im Jahr 2018 wurde er für den Marcel-Duchamp-Preis nominiert. 2017 stand er in der engeren Auswahl für den Prix Pictet-Fotopreis. Im Jahr 2020 gewann er den Preis der Deutsche Boerse Photography Foundation für die Ausstellung „Libre échange“, die im Monoprix d'Arles im Rahmen der Rencontres Internationales de la Photographie gezeigt wurde. Im Jahr 2024 war er Finalist für den Mario-Merz-Preis. 

Seine Werke befinden sich in bedeutenden Sammlungen, darunter die des MoMA - The Museum of Modern Art, New York, des LACMA in Los Angeles, des Centre Pompidou und des Maison européenne de la photographie in Paris sowie des Stedelijk Museum in Amsterdam.

Im Jahr 2022 gewann er den Fotobuchpreis der Paris Photo - Aperture Foundation mit der Edition Loose Joints für das Buch „Périphérique“.

Leonora Carrington wurde 1917 in England geboren und kam 1942 auf der Flucht vor dem Zweiten Weltkrieg nach Mexiko. Heute gilt sie als eine der wichtigsten und einflussreichsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Mehr als sieben Jahrzehnte lang wurde Carringtons kreativer Prozess von einer magischen und außergewöhnlichen Welt angetrieben, oft gepaart mit einem rebellischen Geist, der ihr Leben und ihre Praxis bestimmen sollte. Leonora Carrington gilt bis heute als eine fesselnde und rätselhafte Figur der surrealistischen Kunstbewegung. Ihre phantastischen Ideen finden sich in den von ihr bevorzugten Medien Malerei, Bildhauerei und Schriftstellerei wieder und zeugen von ihrer unverwechselbaren Vision einer ungeschminkten und freidenkerischen Erforschung des Unterbewusstseins. Durch wiederkehrende Motive (darunter hybride Tiere, Landschaften und fiktive Charaktere), Feminismus, Ökologie und das Mystische in Carringtons Oeuvre - das sich einer Vielzahl von Genres, Medien und Materialien bedient - spielt sie mit den Kräften der Herausforderung von Konventionen, Erinnerung, Fantasie und Freiheit.

Carringtons künstlerisches Schaffen ist eng mit ihren turbulenten Lebenserfahrungen verwoben. Auf der Flucht vor den familiären Erwartungen, die ihr als junge Frau der Gesellschaft im England des frühen 20. Jahrhunderts auferlegt wurden, schlug Carrington ihren unabhängigen Weg innerhalb der surrealistischen Bewegung in Frankreich ein, einen Einfluss, den sie mit nach Mexiko nahm. Ähnlich wie ihre Kolleginnen tauchte sie in die unterbewussten Tiefen ihres Geistes ein und schuf traumartige Erzählungen, die ihre Kämpfe und Triumphe widerspiegeln. Ihre Kunst wurde zu einem Gefäß für Introspektion und Unabhängigkeit, zu einem Medium, mit dem sie die Komplexität von Identität, Mythologie und dem Unbekannten erkundete.

Ihre Werke befinden sich in renommierten amerikanischen Museumssammlungen wie dem Metropolitan Museum in New York, der Peggy-Guggenheim-Sammlung in Venedig, der Tate Modern und der Tate Britain in London, dem Museo National de Antropologia e Historia in Mexiko-Stadt, dem Hirshhorn Museum & Sculpture Garden in Washington DC und anderen renommierten Institutionen.

Im Laufe ihrer Karriere war Leonora Carrington in einflussreichen internationalen Ausstellungen vertreten, unter anderem im MOMA und im Guggenheim in New York, im San Francisco Museum of Modern Art, im Cultural Art in den USA, im Irish Museum of Modern Art in Dublin, in der Fondation Beyeler in Basel, im Herbert F. Johnson Museum of Art in Ithaca, in der Tate Liverpool und im Museum of Modern Art in Mexiko-Stadt.

Geboren 1996, lebt und arbeitet in Frankreich

Die Illustratorin, Malerin und Geschichtenerzählerin Neïla Czermak Ichti, auf Instagram bekannt als @alienhabibti, ist Absolventin der Schule der schönen Künste in Marseille. Die Figuren in ihren Werken haben zwar außerirdische Hörner oder meerjungfrauenartige Schuppen, aber ihre Familienähnlichkeit ist frappierend. Die Gesichtszüge der Künstlerin werden von einem Gesicht zum anderen kopiert, während Mütter, Tanten und Großmütter in Avatare verwandelt werden. Nahtlos und auf die natürlichste Art und Weise verschmelzen sie alle zu einem synkretistischen Stil, der aus Manga, Anime und Videospielen entlehnt ist.

Diese wilde und fantastische Prozession von Charakteren wird von Czermak Ichti mit der Spitze eines Kugelschreibers - ihrem bevorzugten Medium - heraufbeschworen und manchmal mit Acrylfarbe verstärkt. In ihren Werken wird das Monströse zu etwas anderem: zu einer Geschichte der Übertragung und des Übergangs sowie zu einem Zeichen der Wiedererkennung. Der Strich ihres Stifts ist so scharf wie die Klaue einer Sphinx, ein hybrides Wesen, das so unmöglich zu kategorisieren ist wie sie selbst, oder das lächelnde oder weinende kaomoji [japanisches Emoji], ein Wesen mit ausgeprägter Brust und einem spöttischen Lächeln auf den Lippen, wie in ihrem jüngsten Werk Chienne de vie (2022).

1902, Kuba - 1982, Frankreich

„Meine Malerei ist ein Akt der Entkolonialisierung, nicht im physischen, sondern im mentalen Sinne.“

Wifredo Lam

Wifredo Lam, eine Schlüsselfigur der modernen lateinamerikanischen Kunst, wurde 1902 in Kuba als Sohn eines chinesischen Vaters und einer afrokubanischen Mutter spanischer Abstammung geboren. Nach seinem Abschluss an der Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro in Havanna erhielt er 1923 ein Stipendium, um am Museo del Prado in Madrid zu studieren, wo er bis 1938 blieb, als er nach Paris zog. Dort wurde er von der Avantgarde der Stadt begeistert aufgenommen, deren Mitglieder damals vom Unbewussten, dem Fantastischen und den außereuropäischen Kulturen Afrikas, Ozeaniens und Amerikas fasziniert waren. Als Karibiker afrikanischer Abstammung übte Lam eine besondere Anziehungskraft auf diese Künstler und Dichter aus (vor allem auf Pablo Picasso und André Breton), die seine Rasse in seinem Werk als etwas Besonderes sahen. Nach der Besetzung von Paris durch die Nazis floh Lam 1940 per Frachtschiff auf eine beschwerliche Reise zurück nach Kuba. Auf dieser Reise machte er auch einen Zwischenstopp auf der französischen Karibikinsel Martinique, wo er den Dichter Aimé Césaire kennenlernte, einen der Begründer der Négritude-Bewegung, deren Ideen den Künstler nachhaltig beeinflussen sollten. Als Lam nach dieser langen Abwesenheit nach Kuba zurückkehrte, sah er sich mit der harten Realität eines Landes konfrontiert, das darum kämpfte, sich aus der über 400 Jahre währenden kolonialen Unterwerfung zu befreien. Beunruhigt über den Zustand der Insel, fand Lam seine Motivation in seiner Empathie mit den Besitzlosen: „Ich wollte von ganzem Herzen das Drama meines Landes malen, aber indem ich den Geist der Neger, die Schönheit der plastischen Kunst der Schwarzen, gründlich erforschte, wurde mir klar, wie wichtig es war, das Drama zu malen. La jungla (Der Dschungel), das zwei Jahre nach seiner Rückkehr nach Kuba entstand, ist eine monumentale Zeichnung von lebensgroßen Figuren in einem Zuckerrohrfeld, einem Ort, der mit der Geschichte der Sklaverei auf der Insel verbunden ist. Unter dem Einfluss des Kubismus stellt Lam diese Figuren multiperspektivisch dar und gibt ihnen stilisierte Masken, die nicht nur auf die Masken in Picassos Demoiselles d'Avignon (1907) verweisen, sondern auch auf die Idole der afrokubanischen Mystik. Lam verwendete Gouache auf Wasserbasis, um die Szene in durchscheinenden Schichten zu komponieren. Die Figuren stehen getarnt inmitten von dichtem Bambus und Zuckerrohr; ihre totemhaften Formen, die gleichzeitig sinnlich und kantig sind, gestikulieren provokativ in einer geheimnisvollen Szene, die an „*lo real maravilloso*“ (das wunderbare Reale) erinnert, einen Begriff, den der kubanische Romancier Alejo Carpentier geprägt hat, um den wahrhaft surrealen Charakter des Alltags in der Karibik zu beschreiben. 

In Lams Dschungel werden der Überschwang der Natur und der unerschütterliche Ausdruck der Masken durch die alarmierende Präsenz von scharfen Klingen und Schnäbeln im Zuckerrohr unterbrochen. Diese bedrohlichen Erscheinungen deuten darauf hin, dass sich unter der Haut des Dschungels weitere Gefahren verbergen könnten. La jungla ist ein Meilenstein in Lams Schaffen und wurde 1944 in einer Einzelausstellung in der New Yorker Pierre Matisse Gallery gezeigt. Dort erregte es die Aufmerksamkeit von James Johnson Sweeney, dem Direktor für Malerei und Skulptur des MoMA, der das Werk erfolgreich dem Inter-American Fund zum Kauf vorschlug, der kürzlich von Nelson Rockefeller gestiftet wurde, um die lateinamerikanischen Bestände des Museums zu stärken. Obwohl Lam 1944 nicht an der MoMA-Ausstellung Modern Cuban Painters teilnahm (nach einem Streit mit dem kubanischen Kritiker José Gómez Sicre, einem der Organisatoren der Ausstellung), wurde La jungla unmittelbar nach seinem Erwerb im Juni 1945 in den Sammlungsgalerien des Museums ausgestellt und ist seitdem häufig zu sehen. 

Lam verließ Europa, nachdem er aus erster Hand die Vitalität des Kubismus, das Aufkommen des Surrealismus und die Faszination der modernen Kunst für die afrikanische Kunst erfahren hatte. In seiner Heimat Kuba entwickelte er einen Stil, der es ihm ermöglichte, die hybride Qualität der kubanischen Identität zum Ausdruck zu bringen, indem er die afrikanischen Elemente seiner Geschichte in der Sprache der modernistischen Malerei voll zur Geltung brachte. In Werken wie La jungla integrierte Lam afrikanische Kunstformen wieder in einen autochthonen Kontext und forderte die westliche Konstruktion des „Primitiven“ heraus, während er gleichzeitig die Realität des kolonialen Erbes Kubas anerkannte.